Grandes directores ignorados (3º Parte)

En esta tercera entrega nos abocaremos a quienes se dedican a la comedia, ese género que parece poco serio salvo cuando uno lo practica.

Terry Zwigoff: Realizador independiente que debutó con un documental Louie Bluie (1985), sobre el músico de blues Howard Amstrong, y que años después continuaría con ese formato para hablar de la vida del dibujante de historietas Robert Crumb en, justamente, Crumb (1994). Ese trabajo le dio mayor notoriedad a tal punto que no tuvo que esperar mucho para realizar Ghost World (2001), basado en la conocida novela gráfica Daniel Clowes sobre dos chicas adolescentes con una mirada particular de la vida, que le generaría su, hasta ahora, única nominación al Oscar por guión adaptado. Luego vino Un Santa no tan santo, escrita por los directores de la inminente I love you Phillip Morris (2009) y producida por los hermanos Coen. En sus films se suele ver una melancolía “retro” sobre alguna manifestación artística como humor ácido. La próxima se llama Happy Days, ¿tendrá algo que ver con la famosa serie ambientada en los años cincuenta? Espero que sí.

Mike Judge: Dueño de un humor ácido como irónico, Judge (juez, en inglés) le encanta señalar los defectos de la sociedad norteamericana. Este latino (nació en Ecuador) empezó haciendo cortos de animación para luego hacer su propia serie sobre dos adolescentes idiotas que ven Mtv, Beavis y Butthead. Hasta que, luego de matar a estos personajes, se dedica a extender un corto empleando actores en lugar de seres animados con Espacio de Oficina (Office space, 1999) y empezar una nueva serie animada que aún está en el aire, El rey de la colina (The King of the hill). En 2003 co-fundaría un festival de animación, The Animated Show, muy conocido en Estados Unidos, y, en 2006, da a conocer la comedia futurista Idiocracia (Idiocracy, 2006) donde un hombre, interpretado por Luke Wilson, se despierta dentro de unos quinientos años en un planeta Tierra gobernado por y para estúpidos. El año pasado estreno Extract (2009) que en algo se parece al mundo de Enredos..., con Jason Bateman en el estelar. Físicamente es alto, calvo y con un rostro que se parece a varios personajes dibujados por él.

Judd Apatow: Es, sin dudas, el nuevo talento de la comedia a nivel mundial y, a mi criterio, el que ocuparía el lugar del humor judío una vez que Woody Allen lo deje vacante. Por supuesto que este hombre, que empezó en la televisión, maneja un estilo diferente, cambia a los protagonistas dignos de ser pacientes de Freud por los vagos que en los noventa retrataron Richard Linklater o Kevin Smith pero a los treinta o cuarenta años y viviendo los tiempos de Internet y Play Station. Como guionista-director debutó en la pantalla grande con Virgen a los cuarenta años (The 40 year old virgin, 2005), una comedia con Steve Carrell que fue un sorpresivo gran éxito, para continuar con Ligeramente embarazada (Knocked up, 2007), otro suceso. El año pasado estrenó Hazme reir (Funny people, 2009) con Adam Sandler que, pese a contar con esta estrella taquillera, no fue un suceso como lo pensado, quizas por su mezcla de comedia y drama. Con ésta, se ve ganas por apostar a la calidad, pues no solo se preocupó por el guión sino que hasta convocó a Janusz Kaminski, el director de fotografía de Spielberg, para que trabaje a sus ordenes. Como productor tuvo muy buenas repercusiones con Supercool (Superbad, 2007), Sobreviviendo a mi ex (Forgetting Sarah Marshall, 2008) y Piña Express (Pinapple express, 2008). Es comun encontrar en su reparto a nombres como Seth Rogen, a su mujer Leslie Mann y Jonah Hill. Nunca fue candidato al Oscar, pero Virgen... y Ligeramente... estuvieron nominados a los premios del Sindicato de Guionistas de Estados Unidos, que suele acertar entre un ochenta y noventa por cierto quienes serán candidatos a la dorada estatuilla. Esto es algo que intuye una futura nominación, si es que sigue haciendo las cosas bien.

Jason Reitman: El hijo del director y productor de comedias comerciales como Los Cazafantasmas (Ghostbusters, 1984), Ivan Reitman, es, paradójicamente, el nuevo exponente del cine independiente como de productos artísticos. Haciendo eje en el humor, desde el irónico hasta el absurdo, en filosos diálogos y en personajes que no son dignos ejemplos, empezó su carrera con la adaptación al libro Gracias por fumar (Thanks for smoking, 2005), sobre un vocero de una tabalcarera que asegura como busca convencer que el cigarrillo no es algo malo para la sociedad, que no quedó, al final, en el listado de las nominaciones al Oscar. Luego sí tuvo su momento de reconocimiento con La joven vida de Juno (Juno, 2007), sobre una adolescente embarazada, y, su reciente título, Amor sin escalas (Up in the air, 2009), donde el personaje de George Glooney trabaja despidiendo gente. Quienes gustan de las comparaciones, quizás hayan pensado que es un continuador, de algún modo, del gran Billy Wilder en tiempos de Simpsons y otros productos que escapan del conservadurismo, algo que hace tiempo que se espera que aparezca (como si debiera pasar). ¿Seguirán apareciendo sus actores fetiches, (J. K. Simmons, Jason Bateman y Sam Elliot) en sus nuevas obras?. Su carrera recién empieza, es tiempo de que deje de ser un ignorado.

Tema de Película: Things have changed

Y hubo un día que Bob Dylan, el poeta del rock, uno de los iconos de la música mundial, se alzó con un oscar. No fue por Knocking on heaven doors (golpeando las puertas del cielo), que apareció en Pat Garret y Billy the kid (Pat Garret & Billi the kid, 1973), quizás su más clásico, sino por una composición para Fin de semana de locos (The wonder boys, 2000), donde Michael Douglas hace de escritor con mala racha en muchas cosas.

El tema se llama Things have changed (las cosas han cambiado) y el cantautor lo cantó para durante la ceremonia de una manera diferente a otros que lo hicieron, desde Australia mediante un satélite.

El tema le sigue dando satisfacción a Dylan, pues sigue tocandolo en los recitales de su "Gira Interminable".

Vean lo carismático que está en este video.

Tema de Película: "Las Trillizas de Belleville"

Nominado al Oscar como mejor canción original, esta canción, cuya letra pertenece al director de la película, se llama Belleville rendez-vous.

Realmente es un muy buen tema y hasta se lo merecía ganar.

También la película estuvo nominada a la mejor de animación y aún es una gran

recomendación para aquellos que no la vieron como los que sí.

Momento Icono: Annie Hall, dos extraños amantes

La película en donde Woody Allen dejó de ser un comediante más para empezar a hacer el guionista más conocido de la historia del cine mundial tiene un montón de escenas absolutamente muy buenas como clásicas, algo digno de las grandes films.

Ante la indecisión por mostrar sólo una, elijo esta que, para mí, es el mejor chiste como, tambien, una muestra de anarquía dentro del cine en un escenario que todos hemos estado.

Amigos, ¡Si la vida fuera así...!

Esperando a Avatar: 2001, odisea del espacio

La ciencia ficcion, como el terror, era un genero considerado menor, no importante. El témino "Clase B" venía de la época de los dobles programas donde antes de pasar una película importante, "Clase A", se proyectaba una de éstas.

Pero hubo una que cambió ese concepto, y, además, hizo surgir lo que sería denominado como "Ciencia Ficción adulta".

2001, odisea del espacio (2001, a space odyssey), de Stanley Kubrick, es una obra maestra no solo por eso sino también por su forma de narrar.

Luego vino: El Exorcista (The exorcist, 1973), considerada la mejor película de terror de todos los tiempos, Tiburón (Jaws, 1975), la primera en superar la barrera de los cien millones de dólares solo en cines de Estados Unidos; Encuentros cercanos del Tercer Tipo (Close Encounters from the third kind), 1977), con una última media hora con casi nada de diálogos; y Las guerras de las galaxias (Star Wars, 1977). Todas fueron nominadas al Oscar a la mejor película.

Queda la anecdota que ese gran director y guionista nunca levantó un Oscar en su carrera, sí por los efectos especiales de este film.

Esperando a Avatar: Jerry Lewis

No sólo llevo la comedia física a un extremo inusual, sino que, como director, dio mucho por el cine. Sus películas solían tener una crítica a la sociedad como eje temático, pero lo que la gente ignora es que ideó un sistema de monitores para poder verse mientras actúa, si esta fuera de cuadro.

Conocido como Video Assist, la creación creada para El botones (The Bellboy, 1960), es un sistema útil hoy en día para otra cosa, la gente como detrás de cámara puede chequear como saldrán las imágenes y, luego de filmar, podrán ver los resultados con los actores.

Y al año siguiente, el gran comediante, haría un historia, El terror de las chicas (The ladies man, 1961) de modo que se filme toda como mostrando que los personajes estén en una gran casa de muñecas, ocurrencia que hoy en día no se supera en este género como en otros.

En este 2009 se le dió un Oscar honorífico por sus beneficiencias, él creó los Teletones, programas de gran duración donde se buscaba la donación de dinero a beneficio por parte de los televidentes en lugar de la entrega de puntos de rating. Pero todo el mundo sabe que también fue por su legado cinematográfico.

Esperando a Avatar: Los cuatrocientos golpes

Revolución absoluta, pero esta vez desde el punto de vista analítico. La Nouvelle Vague (nueva ola, en francés), ese movimiento compuesto por críticos de la revista "Cahiers du Cinema" con otra mirada, resulta a ser para el mundo de los creadores de películas como el equivalente al Actor`s Studio para los actores.

Inspirados en directores, en su mayoría, de Hollywood impusieron la idea de la tarea del director de cine como cerebro de la obra, el que impone su estilo.

Pero esta la idea la pusieron en práctica, Los cuatrocientos golpes (Les quatre cents coups, 1959), Francois Truffaut, es la primera de las películas dirigidas por estos periodistas cinéfilos, cuya lista también se destaca Sin aliento (A bout des soufflé, 1960) de Jean Luc Godard.

Una verdadera obra maestra que el tiempo no le permitió envejecer.

Top Ten de películas de obsesivos compulsivos

1) Mejor, Imposible (As good as Its get, 1997)

2) El aviador (The Aviator, 2004)

3) ¿Que tal, Bob? (What about, bob, 1991)

4) Esplendor americano (American splendor, 2003)

Perdón, pero no puedo nombrar los seis restantes, tengo un trastorno obsesivo con el 4. ¿¡O por qué creen que siempre muestro cuatro notas cada jueves y no otra cantidad?!

Grandes guionistas ignorados (2º Parte)

Tratando de hacer justicia, de dar a conocer nombres comunes a muchas películas que uno ha visto y disfrutado, seguimos enumerando, por lo menos para que la familia se ponga contenta de la relativa fama de su pariente.

Ed Solomon: Me animaría a decir que es el inventor de un subgénero de cine de la comedia que lo llamaría la pareja “pareja” (refiérase a lo contrario de “despareja”) o “la pareja de idiotas” porque no conozco otro caso anterior. Junto a Chris Matheson escribieron el guión de Las aventuras de Bill y Ted (Bill and Ted`s excellent adventure, 1989), un éxito que tuvo su secuela y su serie animada de televisión. Siempre en sus escritos hay un humor absurdo muy personal, muy de él, y eso se lo puede comprobar mirando las secuelas de éxitos donde Solomon no intervino y que no dieron con el reemplazo adecuado, como Hombres de negro (Men in black, 1997) y Los Ángeles de Charlie (Charlie`s angels, 2000). No siempre sus guiones fueron bien llevados al cine, como el fiasco de Super Mario Bros (Super Mario Bros, 1993) y un drama independiente, Levity (2003), que no tuvo mucha distribución. Volviendo al tema del humor, se volvió a reunir con su otrora socio para la comedia familiar de Eddie Murphy Mi papá y nuestro mundo fantástico (Imagine that, 2009) y tiene como suegro al ex integrante de Monty Python John Cleese.

David Koepp: Probablemente le sea conocido su nombre pues es uno de los guionistas favoritos de Hollywood y, quizás, el que más trabaja. Luego de pensar con Zemeckis la comedia negra La muerte le sienta bien (Death becomes her, 1992) es convocado por Spielberg para adaptar la novela de Michael Chrichton Parque Jurásico (Jurassic Park, 1993), que se convirtió en la película más taquillera hasta la aparición de Titanic (Titanic, 1998), y por Brian De Palma para Carlito`s Way (1993). De allí en más no paró de trabajar, sobre todo en colaboración de los directores mencionados. Su creatividad fue de importancia en la primera aventura de El Hombre Araña (Spiderman, 2002) y tras escribir La guerra de los mundos (War of the worlds, 2005) tuvo el gran premio a la trayectoria, diría yo, en ser el autor de una aventura de Indiana Jones. Si analizamos sus labores, nos daremos cuenta que abunda la aventura y la acción en sus tramas, pero como director se dedico al suspenso con El efecto dómino (The trigger effect, 1996), Ecos mortales (Stir of echoes, 1999) y La ventana secreta (Secret window, 2004) y, ahora, en la comedia Ghost town (2008).

Richard Curtis: Si bien nació en Nueva Zelanda, la tierra de Peter Jackson, es nombre conocido en Inglaterra, un orgullo de ese país. Ni bien termina se gradúa en la Universidad de Oxford. Sus primeros trabajos fueron con el actor Rowan Atkinson desde la seria Not the nine o´clock news (1979-82) en adelante. Su debut en cine fue escribiendo la comedia Cuestión de tamaño (The tall guy, 1989) y un año después sería parte del equipo creativo de las aventuras de un personaje que es símbolo de la comedia británica, Mr. Bean. En 1994 queda nominado al Oscar por su escrito de Cuatro bodas y un funeral (Four Weddings and a funeral, 1994). El tiempo lo hará responsable de otros guiones de muy buena calidad como Un lugar llamado Notting Hill (Notting Hill, 1999) y El diario de Bridget Jones (Bridget Jones` Dairy, 2001). Actualmente se encarga también de dirigir, con un excelente debut como Realmente amor (Actually love, 2003) y ahora con una posible candidata al Oscar, Los piratas de la radio (The boat that rocked, 2009), que en Argentina saldrá, lamentablemente, directamente en DVD. ¿Por qué en cada guión aparece algún personaje llamado Bernard o sus derivados? Por que cuando estaba en el colegio, una novia que tenía lo deja por alguien con ese nombre.

Paul Haggis: En sus comienzos escribe libretos para series de televisión, como El crucero del Amor (The love boat, 1977-86) y Blanco y negro (Diff`rent strokes 1978-86), entre otras pertenecientes a una larga lista de clásicos de la pantalla chica. Para el 2004, tras algún intento de meterse en el cine, consigue filmar su segunda película como guionista y director y de escribir para el gran Clint Eastwood. Rara fue su suerte para ese año, pues Warner decide adelantar el estreno de Million dollar baby (Million dollar baby, 2004) porque la consideraba con chances de Oscar, premio que luego alza, mientras que Vidas Cruzadas (Crash, 2004), pese a tener caras conocidas no consigue estreno hasta recién Abril del año siguiente a través de la independiente Lion`s Gate. ¿Quién diría que esta obra quedaría nominada a varios premios de la Academia? Más aun ¿Quién pensaría que le ganaría el título de mejor film del año a Secreto de la montaña (Brokeback Montain, 2005)? Hoy en su haber figura la autoría de los guiones de la bilogía de Eastwood sobre el conflicto armado de Iwo Jima y el nuevo y sorprendente cambio de cara de James Bond. (El hecho de que sea el único del equipo creativo que nunca había estado en dicha saga lo confirma como el cerebro del nuevo estilo del agente secreto británico).

La revolución narrativa vuelve al cine

Una cosa es que la película revolucione a uno, lo que la convierte en una favorita personal, y otra es que sea una revolución, de algún modo, en la historia del cine. El trabajo del crítico es identificar si una obra es de este último tipo separando siempre su gusto personal.

La producción israelí Vals con Bashir (Vals im Bashir, 2008), la nueva revolución narrativa cinematográfica, comprende el corto listado de tres no norteamericanas del año pasado que ganaron más premios en diferentes festivales y ceremonias de premiación, junto a Gomorra (Gomorra, 2008) y Entre los muros (Entre les murs, 2008).

Lamentablemente, en Argentina, se estrena directamente en DVD el mes que viene, luego de su exhibición en el Festival de cine Independiente de Buenos Aires, BACIFI. Más aún lamentable es el hecho que merece ser apreciada en gran pantalla y no en un televisor cualquiera.

La trama sigue a Ari Forman, el director de la película, quien, tras una escuchar el relato de una pesadilla de su amigo Boaz, descubre que le falta el recuerdo de un suceso de cuando era soldado en la guerra del Líbano en 1982, la misma que conduce a una trágica masacre. Ese disparador lleva a Ari a interrogar a compañeros de él en las milicias, como si fuera el periodista de El Ciudadano (Citizen Kane, 1941) de Orson Welles, y cada averiguación le plantea una nueva reflexión sobre su pasado.

¿Pero cuál sería la revolución narrativa de este largometraje? Que por momentos, entrevistas que hace el protagonista, cambia el plano y contraplano de los que componen los diálogos para mostrar solo un plano del entrevistado en cámara fija y sobre un fondo, una pared.

Este hecho, que se asemeja a lo empleado en los documentales cuando se entrevista, produce quiebre, revolución, al ser mostrado. Y que tenga un sobreimpreso indicando el nombre del hablante testigo le da verosimilitud al nuevo formato.

He escuchado y leído mucho sobre las opiniones de ésta película y en todas dicen que es un documental, pero, con lo que dije anteriormente, me opongo a la mencionada idea. Que los testimonios sean dichos por no actores, de personas reales que hacen de sí mismos y que cuentan su vivencia dé el por qué se rotule como tal.

Lo cierto es que es una ficción que se apoya en el Flashback, el recuerdo en la jerga literaria, para ilustrar los momentos del joven Ari y otros en el ejército y donde aparecen momentos oníricos y otros que pueden serlo, mucha belleza visual.

El punto de vista utilizado es aquel del sorprendido por no recordar el horror vivido en sus momentos inocentes, impreso todo sobre animación, generada mayormente en software Flash, un programa muy barato y muy común de ver que le da un cierto toque de identidad propio a las escenas planteadas. Si uno se entera que se dibujo sobre lo filmado, quizás le dé más puntos a favor.

Esa animación remata en el final la explicación de su existencia, no voy a contar por qué, que tiene que ver con su plano final, sin dudas el más impactante de la historia del cine mundial.

Vals con Bashir será recordada, más bien, porque servirá de inspiración a futuras producciones.

Curiosidades: "Once" y Los Simpsons

En otras oportunidad he comentado sobre la película irlandesa Once (2006), sobre el deseo de que se estrene en argentina, que se difunda en otros países. Aparte de la crítica, mostré la canción ganadora del Oscar de esta film de muy bajo presupuesto y sin figuras, también en dicha nota dí el dato que por aquella obra maestra, Bon Dylan invitó a los cantantes e interpretes a que hicieran un show previo a él durante parte de su gira.

Bueno, ahora les presentó una prueba más de la fama que tiene este musical, aparecieron en una escena de un capítulo donde Los Simpsons van a Irlanda.

Espero que tenga estreno en cine, o una salida en DVD.

Kevin Smith: de New Jersey con humor (2º parte)

Smith había dado un gran salto en su carrera, había rodado su segunda película para un gran estudio como lo es Universal. Pero porque los resultados de Banda en fuga (Mallrats, 1995) no fueron los esperados en lo económico, para el estudio, y, en lo personal, para Smith, el director nacido en New Jersey opta por volver a Miramax, la compañía distribuidora que le dio la oportunidad de mostrarse con su opera prima, Cajeros (Clerks, 1994).

Esta vez los proyectos a filmar eran dos. El primero sería como productor ejecutivo de un guión de su nuevo amigo Ben Affleck, actor de Banda en fuga, y de otro actor, Matt Damon. Ambos habían escrito la historia pensando en la posibilidad que alguien lo filme con la condición de hacerlos actuar en ella, idea tomada de Stallone con Rocky (Rocky, 1976). El guión se titulaba En busca del destino (Good Will Hunting, 1997) y era un proyecto que estaba parado en Castle Rock, productora fundada por el cineasta Rob Reiner. Smith se lo mostró a los hermanos Weinstein, creadores y responsables de Miramax, y organizó el proyecto designándose productor ejecutivo.

En ese mismo año, pero antes, de la realización que acaba bajo las ordenes de Gus Van Sant, Smith estrenaba, el 4 de Abril, un guión que, pese a que poseía mucho de su mundo, iba un poco más allá, ya que trataba el tema de la homosexualidad. La otra cara del amor (Chasing Amy, 1997), historia de un dibujante de historietas que se enamora perdidamente de una lesbiana, había sido inspirada en Joey Lauren Adams, novia de por entonces del director, quien interpreta a la señorita en cuestión.

Miramax requería que la producción fuera con actores que sean conocidos, como Drew Barrymore, y para eso le daba un financiamiento de 3 millones de dólares. Como Smith deseaba realizarla con los actores que tenía en mente, le propuso a la productora que le financie 250.000 dólares a cambio de que le permitan hacerla a su modo. Ambas partes ganaron, ya que la película, fue un sorpresivo gran éxito y cosechó muy buenas críticas.

La alegría de Smith crecía aún más ya que Miramax veía cada vez con mejores ojos el rodaje de En busca del destino, por lo que le había designado como fecha de estreno el mes de Diciembre, época de los estrenos de aquellas obras con chances de Oscar a mejor película.

Y así fue, consiguió nueve candidaturas, incluyendo mejor película y director. Affleck y Damon eran elogiados como guionistas y, en la ceremonia de premiación, se alzaron con la estatuilla por su labor en conjunto. Por su parte, Damon fue nominado por mejor actor y Miramax  fue la más exitosa producción realizada, hasta el lanzamiento de Chicago (Chicago, 2002).

En el año 1999, para la primera edición del festival de cine independiente de Buenos Aires, se exhibe, a modo de pre-estreno, La otra cara del amor, la primera película de su filmografía que se estrena en los cines argentinos. Yo concurrí a una de esas funciones, pues me consideraba fanático de Smith desde su opera prima y esperaba ansiosamente verla desde hace tiempo (no existía las descargas por internet, por lo que se da a entender mi desesperación). Me sorprendió, y me dio gusto a la vez, oir a otro del público que, como yo, se reía de chistes vinculados a los anteriores films.

Lastima que su siguiente obra la tuve que ver en video copiado de DVD norteamericano y con mala calidad por un tema de censura.

(ver nota de Dogma (Dogma, 1999) de “que se estrene, aunque sea en DVD”)

También hay grandes guionistas ignorados

En Hollywood, existen casos de realizaciones que, más allá de quién sea el director, vale la pena ver quién es el guionista a cargo, ya que, cuando el director no es “muy artístico” el estilo del film parte de ellos. En esta oportunidad, mencionaremos tres duplas creativas que, aparte de su calidad, son muy tenidas en cuenta por la “meca del cine”.

Lowell Ganz & Babaloo Mandel: Empezaron escribiendo para series como Extraña pareja (The odd Couple), Los días felices (Happy Days) y Laverne y Shirley (Laverne and Shirley), para debutar en la pantalla grande de la mano de Ron Howard. Fueron nominados al Oscar por Splash (Splash!, 1984), la historia de amor entre un hombre y una sirena, y luego siguieron trabajando con Howard en Fabrica de locuras (Gung Ho, 1986), Todo en familia (Parenthood, 1998) y la excelente EdtTV (EdTV, 1999). Con Billy Cristal generaron Amigos... siempre amigos (City Slickers, 1991), El cómico de la familia (Mr. Saturday night, 1992) y Olvídate de París (Forget Paris, 1996) y para Penny Marshall se animaron al drama en Un equipo muy especial (A league of their own, 1992) con muy buenos resultados. Tuvieron un par de años que defraudaron en taquilla como en resultado con Mis otros yo (Multiplicity, 1996) y Un papá de sobra (Father`s day,1997). Sus próximos trabajos son Tooth Fairy, Magic Kindom for sale, Bob; the musical y Damn Yankees. Parte de su formula es crear personajes bien definidos y ligarlos entre sí en muchas situaciones divertidas, algo parecido a lo que hace James L. Brooks, un gran guionista y director.

Larry Karaszewski & Scott Alexander: Mientras Los Simpsons (The Simpsons) estaba siendo pensada para su crecimiento de corto a programa de media hora, estos guionistas vendían Adorable criatura (Problem child, 1990), que se estrenó a la par de Mi pobre angelito (Home alone, 1990) y que es lo opuesto. La nominación al Oscar se les negó por tres excelentes biografías como son Larry Flint: el nombre del escándalo (The people Vs. Larry Flint, 1996), Ed Wood (Ed Wood, 1994) y El mundo de Andy (Man on the moon, 1999). Por hacer estos guiones se hicieron conocidos como “biografistas” Volvieron a la comedia con Jodidos (Screwed, 2000), también escrita por ellos. Sus próximos lanzamientos son Cell, adaptación de Stephen King, y las biográficas Big Eyes, dirigida por ellos, y Ripley’s Believe it or not, que de tener la dirección de Tim Burton y Spike Jonze espera que por fin Chris Colombus le diga “acción” a Jim Carrey.

Ted Elliot & Terry Rossio: Son tenidos en cuenta por los estudios cuando arman una producción de aventuras, pero su primer guión vendido fue la imaginativa comedia sobre monstruos (o “cucos”) Pequeños monstruos (Little monsters, 1989). Este film le dio la oportunidad de escribir otro creativo film y para la Disney, Aladdin (Aladdin, 1992). Sus picos máximos lo tuvieron al estar nominados al Oscar por Shrek (Shrek, 2001) y por el mega éxito de Piratas del Caribe: la maldición del Perla Negra (Pirates of the Caribbean: The curse of the Black Pearl, 2003) y sus secuelas, las únicas películas de piratas que no fueron fracasos comerciales. Próximamente la gente podrá ver los films basados en guiones de ellos como la adaptación de El Llanero Solitario, G-Force, Jingle y la cuarta del pirata Jack Sparrow.

Tema de película: Streets of Philadelphia

Filadelfia (Philadelphia, 1993) fue un antes y después entre los grandes estudios de Hollywood, no solo por ser de temática gay sino por ser la primera que tocó el tema del SIDA.

En menor grado de importancia está este tema de Bruce Springteen, uno de los mejores de la historia del cine, que ganó el merecido Oscar, y el primer Oscar de Tom Hanks, que dejaba de ser un actor encasillado en la comedia.

Si no me equivoco, el video, que es muy bueno, fue dirigido por Jonathan Demme, director de este estupendo obra.

Grandes directores ignorados (2º Parte)

Seguimos intentando hacer justicia recordando directores contemporáneos que valen la pena tener en cuenta y que, lamentablemente, son tenidos en cuenta como si fuesen uno más.

Stephen Frears: Para mí, Frears tiene puntos en común con Ettore Scola. Como el italiano, se destaca por la dirección de actores y por retratar a personajes en un determinado mundo social. De su filmografía se destacan Ropa limpia, Negocios Sucios (My beautiful laundrette, 1985), Ambiciones prohibidas (The grifters, 1990), por no citar las famosas Relaciones peligrosas (Dangerous liaisons, 1988), Alta fidelidad (High fidelity, 2000) y, la para mí difícil de realizar, La Reina (The Queen, 2006). Este año se estrena la romántica Chéri, que compitió en el último Festival de Berlín.

Sam Raimi: Si filma como los hermanos Cohen se debe a su amistad desde que los tres se iniciaron en el cine. De hecho, los Cohen estuvieron involucrados en la opera prima de Raimi, Diabólico (The evil dead, 1981). Sus historias poseen homenajes a Los Tres Chiflados como tinte fantástico. Tras intentar hacer su versión de Batman y La Sombra, crea un superhéroe de su autoría, Darkman: el rostro de la venganza (Darkman, 1990), pero el tiempo le dio la chance de filmar a su superhéroe favorito, El Hombre Araña. Los críticos conservadores se maravillaron con Un plan simple (1998) y sus fanáticos se defraudaron con Enamorado (For love of the game, 1999) y Premonición (The grift, 2000). Este año se estrena Arrastrame al infierno (Drag me to hell, 2009), su regreso al terror y a films que no sean sobre Peter Parker y, en los próximos años, promete la nueva versión de Diabólico y otra del arácnido aventurero. Lo curioso es que tiene muchos puntos en común con Peter Jackson, quien ya es reconocido.

James Cameron: Tuvo su pico máximo cuando rompió todos los pronósticos con Titanic (Titanic, 1997), que lo convirtió en “El Rey del mundo”, pero antes solía sorprender con películas ingeniosas como Terminator 2: Juicio Final (Terminator 2: Judgement day, 1991) y Mentiras Verdaderas (True lies, 1994). De tener una carrera como especialista de efectos especiales, debuta con la bizarra Pirañas 2 (Pirañas Part Two: The spawning, 1981), por la que tuvo diferencias con el productor Roger Corman, y, luego, tuvo su revancha sorprendiendo a todos con Alien, el regreso (Aliens, 1986), considerada por muchos como la mejor de la saga. Es el más obsesivo del cine contemporáneo, no sólo se obliga a sí mismo a escribir las historias que rodará sino se involucra en el desarrollo de tecnologías de filiación como de post-producción. Este año vuelve al cine de ficción Avatar tras doce años, que es más importante estreno del presente año y que promete una revolución visual. Viniendo de él, no lo dudo. No pudo filmar El hombre araña, con Leonardo Di Caprio.

Alan Parker: Empezó como guionista del clásico Melody (Melody, 1971) y debutó como director fracasando en taquilla con Bugsy Malone (Bugsy Malone, 1976). Su opera prima no fue su único musical, ya que se sumó Fama (Fame, 1980), The Wall (Pink Floyd The Wall, 1982), Camino a la fama (The Commitments, 1991) y Evita (Evita, 1996). Fue nominado dos veces al Oscar por sus labores de director en Expreso de medianoche (Midnight express, 1978) y Mississippi en llamas (Mississippi burning, 1988). Su última estreno fue La vida de David Gale (The life of David Gale, 2003), muy recomendable.