Crítica a film argentino: Rosa Patria, de Santiago Loza

Lo admito, las peliculas de Santiago Loza no son de mi entusiasmo. Las que ví, la muy premiada Extraño (2003) o la última, La invención de la carne (2009), me han dejado sentimientos que me provoca ver sus obras con cierta precaución. Ésta, Rosa patria (2009), que es un documental, me sorprendió mucho.

Sobre planos raros para este tipo de registro, buscando otros ángulos de cámara al entrevistado, Loza propone saber sobre la vida del poeta Néstor Perlongher, uno de los fundadores del Frente de Liberación Homosexual (FLH) que promovía los derechos de la comunidad gay y que era repudiado por sectores de Derecha como por algunos de izquierda.

Estamos hablando de una historia transcurrida en los años setenta, época de cierto conservadurismo como de miedo, donde Perlongher proponía que se hablen de los derechos de personas como él, personas que, sobre todo después del destape sexual de los setenta, fueron tratados como “enfermos mentales”.

Los testimonios de quienes lo conocían aportan no solo en el dato sino en darle una mirada más humana al personaje desde los primeros minutos donde destacan la fealdad física de Perlongher, tan llamativa que hace reir por su sorpresa. Todo esto causa un entretenimiento que aleja de la frialdad típica del genero.

Claro, que se habla más sobre la vida del activista que del escritor, pero sí se habla de esto último, como haciendo gestión para que su obra se difunde. Loza balancea bien ambas características y le agrega recreaciones teatrales, que simulan haber sido filmadas en Súper 8, que recrean su vida. Pueden ser algo largos, pero aportan simpatía que se incrementa con canciones acusticas, también cantadas sobre el mismo pequeño escenario teatral inventado para la ocasión.

Todo esto convierte a Rosa patria en una atractiva y muy recomendable sorpresa.

Crítica a film argentino: Carne sobre carne, de Diego Curubeto

Isabel Sarli, La “Coca”, es la figura cinematográfica argentina mas conocida en todo el mundo, quizás ahora compite con Ricardo Darín en eso. Sus films llegaron a ser difundidos y traducidos en países de muy difícil llegada en los sesenta y setenta, como Estados Unidos y Japón.

El motivo no obedece a cierta calidad artística sino al erotismo que ella, especialmente, y, en consecuencia, sus films emanaban durante tiempos que no se conseguían fácilmente algo referido al sexo.

Esta morocha poseedora de un cuerpo que Fellini pudo haber utilizado para cualquiera de sus obras maestras, no era buena actriz pero daba lo que su público deseaba, convirtiéndola en una figura altamente popular, no había persona no cinéfila que la ignorara.

Este documental, del crítico Diego Curubeto, hace hincapié en la historia de ella, su relación con Armando Bo (director de sus films que luego se convirtió en su esposo), la persecución de la censura y en anécdotas de aquellos tiempos y de cómo empezó a trabajar para la norteamericana Columbia Pictures.

Son muchas historias las que ocupa esta obra y que logra condensarlas muy bien en noventa minutos, sin aburrir. Prueba del deseo de entretener, por sobre todas las cosas, es que utiliza escenas recreadas, a modo de sketchs, con actuaciones de Gastón Pauls y del director español Alex de la Iglesia, dibujos animados a cargo de Pablo Rodríguez Jaurégui y otros recursos cinematograficos.

Quizas faltaría describir en algo las vivencias de sus espectadores para poder ver sus películas, desde escaparse del colegio secundario hasta un hombre casado que la va a ver sin el permiso de su mujer. De todas maneras, se ha logrado contar algo sin fisuras para rendir un merecido homenaje.

Critica a film argentino: La mosca en la ceniza, de Gabriela David

Se le dice “trata de blancas” al secuestro de mujeres, en su mayoría jóvenes, para obligarlas, esclavizarlas, a trabajar como prostitutas. Este tema está siendo muy mediático en los últimos años y, como todo tema difundido en, sobretodo, televisión, llega a la pantalla grande.

La mosca en la ceniza (2009) es la segunda de Gabriela David, tras Taxi, un encuentro (2000), y retrata a dos amigas muy unidas un pueblo del interior que consiguen un trabajo en la capital. Llegadas a esta cosmopolita ciudad, son llevadas a una casa y, allí, descubren el engaño: están obligadas a la mencionada labor.

David realiza una película oscura, como el tema lo amerita, ayudada por rubros técnicos que ponen en clima, como el de sonido que hace oír al espectador un ruido raro, como si uno estuviera en una cueva, para describir aún más, auditivamente, al salón de citas. Claro que también hay excelentes actuaciones del reparto, sobretodo de Luis Machín y Cecilia Rossetto, en un film que depende de los intérpretes.

Pero las intenciones quiebran por problemas de guión, se cuentan cosas muy largas al principio y, luego, otras que, por más que sean muy buenas ideas (como la presentación del personaje de Machín, un camarero sin dientes) no aportan a acelerar el relato. También no hay un buen trabajo de cámaras, pues no da un cierto movimiento que daría un marcado ritmo de suspenso y que mejoraría lo que se cuenta.

Igual, La mosca en la ceniza es una buena recomendación por sus puntos a favor como por su temática, mostrada en hechos y palabras. Por mi parte, pienso, si en las dos películas David muestra cierta solidez para describir personajes masculinos, ¿Hará alguna con protagonistas hombres?

Critica a film argentino: Excursiones, de Ezequiel Acuña

Dejando atrás el mundo de los adolescentes dubitativos y descontentos, Ezequiel Acuña empieza a filmar sobre treinteañeros. Es que el creció como sus personajes, así como su mirada de la vida.

Algo más optimista, con respecto a Nadar solo (2003) y Como un avión estrellado (2005), es Excursiones (2009), que trata sobre dos amigos de la secundaria que se reencuentran luego de diez años, uno, Martín, guionista y el otro, Marcos, empleado de una fábrica de golosinas. Se vuelven a ver a causa de un llamado de Marcos porque consigue una sala para montar una obra teatral y quiere que le de una mano en mejorar el texto.

Filmada en blanco y negro, al final se sabe por qué, la película de ochenta minutos es una comedia filmada mayormente en planos estáticos. Se ve que está pensada sobre experiencias personales, ya que busca cierta naturalidad en los diálogos como en situaciones.

El humor resulta ser poco y, más que nada sobre observaciones que el espectador tiene que descubrir en base a los personajes, quienes no poseen una psicología notoria. Simplemente, les está pasando algo, que tiene que ver con un objetivo, en las anteriores no había uno claro, y tienen que conseguirlo.

No es nada de otro mundo, hay quienes se pueden aburrir, otros que pensarán haber visto otras y mejores. De hecho, para mí es la obra que no me gustó, pero lo que sí es que para el director, Ezequiel Acuña, es un muy buen paso para cambiar su cine. Que el producto le salga, a mi criterio, regular es otra cosa.

A modo de observación personal, Acuña tiene muy buenas ideas de cine, prueba de ello son las jóvenes que intervienen en sus films, las muestra muy seductoras sin que el personaje tenga que ser así, lo que es un punto a favor en base a la búsqueda de un cine mejor que él está listo para pulir trabajo tras trabajo.

Critica a film argentino: Andrés no quiere dormir la siesta, de Daniel Bustamante

Andrés no puede dormir la siesta (2009) es de esas películas que buscan tratar un hecho dramático histórico, en este caso los años de la dictadura militar argentina, a través de la mirada, entre ingenua e ignorante, de un niño.

Andrés es ese joven de unos diez años en cuestión que, luego de la repentina muerte de su madre, se va a vivir, junto a su hermano, a lo de su abuela, interpretada por Norma Leandro. Allí, entre futbol en baldíos, juegos de bolitas, capítulos de la serie de Kung Fu y rebeldías para no dormir la siesta, va descubriendo nuevas cosas que con el tiempo entenderá.

Mientras suceden esos tiempos, Andrés chochará continuamente con su padre que tratará de alejarlo de la vida “pesada” que se vivía en el vecindario, donde funciona un centro clandestino de detención, y de querer proteger a su entorno familiar por el pasado militante de la madre.

El relato trata de construirse en base a cosas no explicitas en la cinta, una buena intención que cae por estar dirigido solo a los que conocen ese época histórica o si uno lee una sinopsis. También no abunda cierta tensión, por lo que cae en reiterados momentos simpáticos, como buscando una complicidad melancólica y hasta sentimental con el espectador y no pudiendo evitar ciertos problemas de guion, en las secuencias como en los personajes, que podrían convertirla en un producto recomendable o ser tenida en cuenta para mandarla al Oscar.

Critica a film argentino: La Tigra, Chaco, de Federico Godfrid y Juan Sasaían

A veces pienso que algunas de esas películas que pertenecen al llamado cine independiente argentino, esas que son realizadas por directores noveles que consiguen una cámara y ciertas facilidades para (por fin) filmar una historia, son hechas muy a las apuradas. Lamentablemente, La Tigra Chaco (2009) es un ejemplo de esto, por cambiar entusiasmo por dedicación por escribir un buen guion o en plantearse qué es lo que se va a improvisar y cómo.

Esta clase de films o producciones son exponente negativo, una contra que puede ser evitada oportunamente, de lo que Pino Solanas, director histórico y respetado, llama “la democratización del cine” por la facilidad que entrega los recursos tecnológicos hoy en día, en el sentido que uno puede filmar con una cámara digital y editarlo en su casa en lugar de esperar a conseguir mínimamente, y con mucha suerte, una cámara de cine de 16 milímetros, tener algún conocido que preste su moviola para editar o su cuerpo para actuar, conseguir de algún lado fondos para pasar el material a 35 mm y, con suerte y algo de energía, estrenar en alguna sala.

Digo esto porque La Tigra… quiere contar una historia de un joven (la edad del protagonista parece ser una condición para este movimiento) que regresa al pueblo donde vive su padre tras muchos años. Al no encontrarlo (¿Qué raro que en tiempos de comunicación de celulares e internet no lo haya llamado antes? Tampoco se explica el por qué aparece, aunque se sugiere que no es por algo importante), opta por parar en lo de una tía (se va nota que la característica de esta amable anciana, la de inmigrante checoslovaco, es un aprovechamiento de algo que ya es de la actriz amateur y no un querer de la dupla guionista de entablar rasgos a los personajes o de aprovechar de estos, cosas recomendadas en libros de guión).

Los minutos avanzan, se ve que visita a una chica de su edad, amiga de años, y que luego ella cobra su protagonismo, pero no se dedica a contar algo más, como destacar mediante alguna vía, las diferencias del pueblo de ahora con respecto a antes, que no se por qué no lo veo en películas de temática “alguien vuelve al año luego de años” y que puede ser detonadores a conflictos que mejorarían la historia principal.

¿Pero por qué esta ahí el protagonista? ¿Qué le pasa estando en ese pueblo? Simplemente, entra en conflicto, mal armado dicho sea de paso como obvio, con el novio de la joven en cuestión y otras cosas, como que manda a arreglar una silla, que no contribuye en mejorar pero si en rellenar espacio para que pueda convertirse en un largometraje.

El film se convierte en, metafóricamente hablando, en sentarse a la vereda de un pueblo y ver autos, los pocos autos, pasar a la espera de una accidente, algo prácticamente difícil que ocurra porque el trafico es casi nulo.

Critica a un film argentino: Adopción, de David Lipszyc

Mientras veía Adopción (2009), me planteaba algunas dudas correspondientes al concepto de la obra y en pos de un responsable análisis. Es que por su primeros fotogramas, donde se anuncia que está basada en hechos reales, y por ver lo que sigue empiezo a plantearme que se trata de un documental falso, o historia ficticia narrada como documental, por lo que opto, al escribir sobre ésta, de intentar hacerlo sobre ambas posibilidades.

El director, David Lipszyc, usa muy buenos recursos e ideas para contarnos su historia y su visión de la vida de un hombre soltero y de su hijo adoptado, usando las palabras de los protagonistas, recreaciones y secuencias de montaje que incluyen la aparición de los muñecos playmobils, tan populares en los años ochenta.

La duda me aparece por el fondo de las entrevistas, que parecen actuadas, como sujetas a un cierto guion que no permite mucho improvisar y las miradas y tonos de voz de los entrevistados. Este interrogante crece cuando me entero que la entrega del chico a la nueva familia fue realizada en tiempos de la dictadura militar, tiempos demasiados conservadores para permitir una adopción de este tipo (que dudo si es factible hoy en día). Quito, para decir esto, la otra tematica que posee, que el adulto es gay.

Si uno empieza a armar lo que cuenta el documental en su cabeza, notará ciertos agujeros que no compensan con ningún testimonio en búsqueda de un fortalecimiento, motivado aun más porque son muy pocas las personas que entregan su testimonio y/o opinión.

Si esto es todo real, pido disculpas a los equipo realizador y celebro el haber encontrado una idea original para contar que tiene que ver con los años de plomo y la no discriminación y que me gustaría que tenga más repercusión en los medios. Pero, de todas maneras, recomiendo ver estos casi ochenta minutos, si es aficionado al cine o si se estudia, porque creo que es una película perfectamente debatible, opinable y observable (dicho en el sentido de notar cosas), pues parte de un muy buen punto de partida cualquiera fuera su realidad, como eslabón de historia perdido o como noble excusa para llevar a la pantalla grande, no importa los defectos hechos en ambos casos.

Léase esto si se quiere, pero bajo su responsabilidad: Escribí la critica enterandome luego de si es un documental verdadero o no, pero preferí escribir así mi reseña porque me parece una muy buena invitación para hacer cierto ejercicio filosófico sobre esta película, uno que no es frecuente de ver en este hermoso arte.

Critica a un film argentino: La madre, de Gustavo Fontán

La madre (2009) es un film que desde sus primeros minutos nos invita a reflexionar en base a sus imágenes y a través de la historia de la relación entre una madre y su hijo.

Ya en la primera escena, nos adelanta como termina para querer contarnos, a través de un relato sórdido en muchos niveles, el por qué del desenlace. Todo esto usando planos fijos, aunque pecando de ser muy largos, y con una muy buena fotografía que pretende convertir a cada encuadre en una obra pictórica.

El problema es que, pese al acierto del guion por no contar demasiado y querer concentrarse a la relación familiar, se deja de contar cosas interesantes como buscando cierta diferenciación de otros films, de querer etiquetarse demasiado dentro de lo que se llama “cine arte”, y que termina cayendo en cierta pretenciosidad como en reiteraciones y planos surrealistas que no contribuyen al fondo de la historia.

La promesa de destacada actuación, durante los primeros minutos, de quien interpreta a la madre en cuestión, Gloria Stingo, es cambiada por un relato que interesa mostrar la puesta de cámara de un director que, por lo que parece, prefiere destacarse él mismo, algo que no está mal pero termina siendo, a mi criterio, un defecto de cierto cine “artístico”, sea para festivales o para la taquilla.

Critica a un film argentino: Matar a Videla, de Nicolás Capelli

Matar a Videla (2009) es una opera prima que cuenta la historia a través de la visión de su protagonista, usando sus palabras con cierto tono moralista más que de observación.
Julián, interpretado por Diego Mesaglio, es el joven de veinticinco años que deja su trabajo en una oficina como la relación con su novia y se plantea un fuerte cambio de vida: suicidarse, pero asesinando al ex dictador Videla antes.
Pero esta propuesta cinematográfica queda en pretensiones y en un muestrario de, lamentablemente, defectos. Y eso se ve en el guión, que incluye flojos diálogos y una llegada tardía del conflicto, en malas tomas, con fuera de focos o problemas de fotografía, y pobre dirección de actores, que parecen calcados de una pésima telenovela.
El punto de vista empleado, mediante la narración en off del protagonista, recuerda al de su par de Trainspotting (Trainspotting, 1996), pero cayendo en la denuncia social y con un tono aburrido por su monotonía.
Pasan los minutos y, si uno observa bien ciertos detalles, se notará fallas algo absurdas, como cuando roba un candado de puerta de rejas que perfectamente se puede saltar, de casi medio metro de alto, en una secuencia que no genera suspenso. Encima, al principal actor, que le falta muchas clases de actuación, que por sus enseñanzas de torso desnudo nos revela un buen físico como para necesitar de ese aparato de hierro.
El director necesitará una fuerte autocrítica, si es que querrá seguir contando historias y que la gente la vaya a ver.

Crítica a film argentino: Los resistentes, de Alejandro Fernandez Mouján

Los resistentes (2009) trata de un grupo de hombres olvidados por la historia. Estos hombres unieron para armar un grupo de inteligencia paramilitar en contra del golpe de estado de 1955 a la presidencia de Perón y a favor del regreso de éste. Alejandro Fernandez Mouján, el mismo de Pulqui, un instante en la patria de la felicidad (2007), es el encargado de este recuerdo, usando testimonios de quienes integraron esta fuerza con imágenes de archivo.
El se propone a recopilar historias recorriendo el país, obteniendo relatos, en base a por qué y cómo se integraron y a sus experiencias en dicha resistencia, en busca de clarificar el panorama histórico de quienes serian los antecesores de los Montoneros, usando solamente su punto de vista .
El problema del relato es la falta de comprensión de lo que se quiere contar. Sus más de dos horas y media delata la existencia de testimonios que sobran en lo que se quiere contar por no ser muy importantes como interesantes. Encima, se usa mucho eso de mostrar al que habla, no permitiendo otra forma de montaje como dirección de cámaras.
Vale solo por el tema, pero no por sus valores cinematográficos.

Enlace con el trailer:

http://www.losresistentes.com.ar/

Critica a film argentino: El último aplauso, de Germán Kral

Sigue la idea, post devaluación económica del 2002, de hacer películas con la temática del tango. El último aplauso (2009) es atípica y a medida que avanza el metraje se comprueba la diferencia.

Empieza por mostrar al Bar “El Chino”, aquel mítico lugar de tango del barrio porteño de Pompeya, durante una noche donde interpretes del “dos por cuatro”, como se le dice a ese ritmo musical, hacen su melodía para el disfrute de los comensales del lugar. Ocurre durante el año 2001 mientras “El Chino”, su dueño, está internado viviendo sus últimos días de vida.

Entre acto músical para presentar a los personajes, el documental muestra su primera idea, premeditada, de mostrar las habitaciones de los artistas, una muy buena forma de conocerlos íntimamente.

Durante ese rato se ve problemas de sonido, que obedecen a bajo presupuesto, y de mala imagen, producto de la cámara con la que se filmó, pero en un momento determinado, esta obra de Germán Kral, cambia. Del 2001 nos lleva al 2006, muchas cosas han pasado, como que la fonda no esté abierta al público, como otra vida por parte de estos protagonistas y empieza otra trama.

Podría decirse que esta es artificial, preparada para la película, donde los cantores se reúnen, ahora, con una orquesta de tango interpretada por jóvenes músicos, la Imperial, pero, sin embargo, Kral no se preocupa por mostrar las diferencias entre estas dos generaciones, dejándolo con énfasis para una escena, sino que los hace conocer para tocar y ensayar a fin de un recital más importante.

También en esta segunda parte se nota el mejor sonido y tipo de filmación provistos de un mayor dinero invertido.

Pero nada de eso importa, lo que importa es cómo de un material pensado con tal fin, se modifica, paso del tiempo mediante a otra idea, una que invita a conocer a ignotos músicos con otras versiones de famosas tonadas.

Una realización que no tiene desperdicio y que es recomendada sobre todo para tangueros y estudiantes de cine.

Critica a film argentino: Nosotras que todavía estamos vivas, de Daniele Cini

Documentando un juicio que ocurrió en Roma entre Octubre 2006 y Marzo 2007, el italiano Daniele Cini repasa los desgraciados sucesos a causa de la dictadura militar impuesta en Argentina durante 1976 y 1983 que determinaron en delitos de lesa humanidad.

Este proceso legal no solo nos muestra la naturaleza del mismo, de juzgar a quienes asesinaron a ciudadanos italianos en el sudamericano país, sino de repasar esos años infames, de hablar de la creación de Abuelas de Plaza de Mayo, de Madres de Plaza de Mayo y de otras organizaciones que buscan hacer justicia como memoria.

Pero no se permite este largometraje a ser uno más del montón. Quizás porque el director sea extranjero, nos da otra visión, otra forma de narrar y tratar el tema. Que se use muy buenas escenas dramatizadas, muy buena dirección de cámara como de fotografía, o imágenes de archivo no muy vistas (como esa de larga duración en donde obispo bendice a los nuevos egresados de la Escuela de la Marina Naval y que a mí me produjo miedo)

Nosotras que todavía estamos vivas (2009) es un nuevo exponente de esa temática, la referida a los sucesos de la dictadura, que mejora, o revoluciona si se quiere, al subgénero de documental.

Parafraseando a muchos críticos, “una bocanada de aire fresco”. Lastima que se tuvo que pasar por un hecho doloroso para ver algo así.

Enlace para ver el trailer:

http://danielecini.blogspot.com/2009/09/prueba-de-trailer.html

Critica a film argentino: Acné, de Alejo Veiroj

Aunque parezcan reiterativas, las películas sobre iniciación sexual son algo interesante para ver, potenciales generadores de diversas miradas sobre el tema que la pueden convertir alguna de estas obras en un nuevo clásico.

Acné (2007) pertenece a este género al retratar a un chico judío (otro elemento temático) de familia de muy buena posición económica que inicia sus años de adolescencia: con continuos tratamientos por el problema dermatológico que da pie al título, con la separación de sus padres de por medio, ganas de besar a una chica por primera vez y que esta sea la compañera del colegio que tanto le gusta.

Rafa, el protagonista en cuestión, es quien le pasa por esas inseguridades típicas de su edad, una de descubrimiento, que filmado sobre una mayoría de planos fijos y de muy pocos silencios, como atándose a mostrar escenas que empiezan y terminan con diálogos.

Esto le implica al film, filmado en Uruguay, de cierta monotonía, falta de ritmo, que pueden convertirlo en una mala película para muchos. Pero si analizamos a través de su guion se observa que, pese no querer contar con algo con humor, se preocupó por lograr un buen armado de este que, aunque se habla demasiado de las masturbaciones del joven, ata bien los cabos y cuenta con personajes y escenas útiles.

Quizás el director y guionista, Alejo Veiroj, tuvo inseguridades para con su opera prima o, bien, la inteligencia de no querer convertirla en pretenciosa, de mostrar demasiado, como muchos primeros trabajos. De todas maneras, Acné es una película a tener en cuenta al igual que los próximos trabajos de su realizador.

Critica a film argentino: Puentes, de Julián Guilinanelli

Puentes (2009), la opera prima de Julian Guilianelli, habla de ser amigos a los doce años recurriendo al género dramático.

Se trata de unos chicos que viven en una ciudad distante a la ciudad capital, amigos muy inseparables que se sientan juntos en el aula de la escuela o juegan al futbol en un baldío.

Uno de los problemas del guión es que el conflicto aparece muy tardíamente y sin contarnos algo que nos haga amena la espera: uno de ellos le roba el arma al padre de otro lo que desatara un suceso desafortunado y que cambiará sus vidas para siempre. Pero es que el guión delata sus falencias, sus pobres diálogos, el armado de sus escenas y su falta de ritmo (ahí la culpa es de montaje como de la dirección).

Puentes podría compararse con la norteamericana Mi primer beso (My girl, 1991) por querer contar un hecho trágico que hace crecer de golpe a esos jóvenes de pocos años.

Uno lamentablemente se aburre y empieza a encontrar otros problemas, como la ingenuidad en el vestuario, quien jugo al futbol alguna vez sabe que es incomodo jugar con campera desprendida haga o no frío.

Es corta la película, unos setenta y siete minutos, quizás merecía ser un corto por lo que se quiere contar y realmente resulta ser una pena sin nada interesantemente a favor para señalar, aunque intente encontrarlo.

Crítica a un film argentino: Fantasma de Buenos Aires, de Guillermo Grillo

Hay una tradición en el cine norteamericano de hacer comedias donde las identidades de los protagonistas, gracias a un suceso fantástico, cambia o se topan con los pensamientos de otra.

Fantasma de Buenos Aires (2009) usa este concepto ya que cuenta la historia de un muchacho tímido y perdedor conoce al fantasma de un hombre, un “guapo” en los tiempos del tango, que murió hace más de cincuenta años. Por haber sido invocado en un juego de la copa, o “ouija”, donde el vaso se rompe, el espíritu queda merodeando hasta que se encuentra con el protagonista en cuestión.

Es bueno ver este tipo de películas, si los chistes funcionan y el guion usa buenos elementos es más que un buen entretenimiento. Pero lo que pasa aquí son problemas de guion, demasiada introducción de personajes (por resumirlo en pocas palabras), y falta de chistes o situaciones divertidas.

Se ve que el protagonista (no encontré su nombre en la web) tiene talento para actuar y en momento que interpreta al personaje entre dos identidades, al estilo Steve Martin en Hay una chica en mi cuerpo (All of me, 1984), demuestra su capacidad y sus ganas.

Pero la película parece tener una forma de humor muy conservadora, en el sentido de no querer llegar a un extremo, de arriesgarse, o de querer conformarse con algo que parece anecdotario.

No hay motivos suficientes para que la película funcione, una pena porque era una idea muy buena para conquistar a un público adolescente que no ve cine argentino sin figuras televisivas.

Crítica a un film argentino: Sangre del Pacífico, de Boy Olmi

Boy Olmi, actor de profesión, debuta en la dirección con un guion suyo.

Un veterano cineasta planea filmar una historia relacionada con las guerras de las independencias de latinoamericana. A su vez, Charito, indígena peruana, viene a Argentina por un mejor futuro y consigue trabajo como mucama. Cuando el viejo, la conoce le pasan miles de sentimientos hacia ella.

Algo así sería el argumento, sin querer contar demasiado y tratando de decodificar lo que quiso contar Olmi a través de las (posibles) poéticas imágenes. Es que él, al armar un guion que utiliza silencios, no da explicaciones suficientes para tentar al espectador hacia la historia.

Por ejemplo, no se explica la imagen del protagonista nadando en una pileta mezclando, edición mediante, otra de soldados del 1800. No se entiende claramente el motivo quedándose, así, en algo hasta pretencioso.

El guion desde el vamos tiene problemas de narración, floja presentación y flojos diálogos, seguro que se debe a las muchas correcciones. Algunas cosas de la estética alcanzada por el modo de emplear la cámara parece una película defectuosa de los ochenta o principios de los noventa.

Que me perdone Boy Olmi, que como actor me cae bien, pero su Sangre del Pacifico (2009) es larga y aburrida. Que lo que pasa al final me era obvio, era por un pensamiento mío, no creo que muchos se den cuenta de la resolución.

Ojala Olmi mejore, tiene mucho para mejorar.

Crítica a un film argentino: Aparecidos, de Paco Cabezas

Es sabido que a los españoles les gusta crear historias de tono fantástico, más aun desde la década pasada. Aparecidos, opera prima de Paco Cabezas, es otro exponente de este cine que se precia de muchos homenajes como ideas.

Malena y Pablo son dos hermanos que viajan a Buenos Aires con la intención de autorizar que desconecten la máquina respiratoria a su padre. Durante un viaje en el viejo Ford de su padre, Pablo halla el viejo diario que relata secuestros y torturas durante los años de la Junta Militar que gobernó el país durante 1976 y 1983.

Tras una mala introducción, que no impacta ni ayuda a dar tensión, la película mejora, pese a tener diálogos de más. Una vez que empiezan a aparecer los fantasmas en cuestión, la película levanta vuelo y se asemeja a una de terror oriental.

Claro que no es el único homenaje, recuerda unas escenas a Jeepers Creepers, una de ellas mezcla, a su vez, esta película con la que homenajea Reto a muerte (Duel, 1971), el clásico que realizó Spielberg para la televisión. Por el final, hay un tributo, también, a la Masacre de Texas (The Texas Chain Massacre, 1974), más explicito aun porque se ve a los protagonistas viendo y comentando sobre ésta.

Por tropiezos en su guion y algunas "sorpresas" obvias, Aparecidos (2007) queda nada más en un mero pasatiempo para los llamados por la crítica “amantes del género”. Y para quienes son sensibles a películas sobre las torturas por dicha época política se aconseja ir precavido, ya que se toca y se muestras cosas relacionadas a esto.

Lo bueno de esta coproducción argentino-española es que los rubros técnicos provenientes del sudamericano país se destacan de una manera tal que acá no se muestra lo suficiente. También es bueno que actúe Hector Bidonde, alguien que merece aparecer más en la pantalla grande.

Como extra les paso el dato de que su director es uno de los guionistas de la farsa Spanish Movie (2009) con estreno para el 4 de Diciembre en el país ibérico (!!Me han robado una idea, coño!!). He aqui los divertidos trailers (muy bueno el chiste donde aparece Alejandro Amenabar)

Crítica a un film argentino: Alicia y John, de Carlos Castro

Otra película del Centro Cultural “Caras y Caretas”, que como productora se encarga de documentales sobre personajes, muchos de ellos, ignorados. Este año vimos Haroldo Conti, Homo Viator (2009) de esta factoría.

La idea que manejan en todas las producciones es insertarle al documental momentos de ficción, como mezclándolo con el drama, para ser más ameno el relato y convocar público.

En este caso hay una vuelta de tuerca ya que los actores Carlos Portaluppi y Ana Celentano, aparte de interpretar a los personajes del título, hacen de ellos investigando sobre estos. Ya en la primera escena se presentan viendo una filmación, la única, donde aparece John William Cooke.

John fue un allegado al General Perón que, con el tiempo, se convirtió en una persona tan de confianza que se fue elegido por el histórico presidente para ser su sucesor como líder peronista. También, el tiempo hizo que conociese a Alicia Eguren, que compartieran muchas vivencias como combatir junto al Che Guevara y de estar separados por los años de prisión de John por haber estado en el gobierno de Perón.

Tiene muy poco de ficción, la mayoría de la duración la ocupan los testigos de esa época que dan información muy útil y hasta divertida. Ese es el fuerte de Alicia y John, el peronismo olvidado (2009), de privilegiar los comentarios y usar a los actores para ilustrar momentos que no podrían mostrarse con archivo y que hagan narración en off, con la mencionada excusa que recogen información para su trabajo de interpretar.

El montaje usa buenas ideas que aunque sean vistas en otros trabajos, evitan la reiteración constante que sufren los documentales de gente hablando a cámara.

Todo esto lo hace recomendable.

Crítica a un film argentino: Nunca estuviste tan adorable, de Mausi Martinez

Basada en la exitosa obra teatral de Javier Daute, Nunca estuviste tan adorable (2009) es, como en su versión original, un tributo a los años `50 y `60. Uno se da cuenta de esto al ver el vestuario, el decorado y el fondo proyectado en los exteriores, tal como se acostumbraba hacerse en esta época.

La historia arranca con muy buenos ánimos entregados por Luis Luque, quien se dedica a cantar la canción que da nombre al film. El personaje, de profesión mecánico, es quien nos invita a meternos a la intimidad de una familia extravagante, quizás como la de Esperando la Carroza (1985).

Por como los personajes se mueven y hablan (como gritando) podríamos compararla perfectamente con el clásico argentino, también inspirado en una puesta escénica. Pero el correr de los minutos hace que los recursos de dirección de actores y puesta de cámara sean reiterativos y hasta cansadores.

Es que la película se parece más a una obra de teatro que un film mismo. Nótese que no hay silencios ni miradas en primer plano, solo diálogos y movimientos de actores ajustadamente coreográficos. Como que Mausi Martínez, su directora, respetó tanto la obra que no le aportó su mirada a las actuaciones y las haya acomodado al ritmo cinematográfico, lo llamativo es que cuenta con pasado de actriz.

Por eso el humor de Nunca estuviste falla, por su monotonía, aunque posea canciones amenas, compuestas especialmente para la ocasión, y los actores se destaquen.

Le va a gustar a quienes gusten del teatro más que el cine, o no noten estas diferencias.

Enlace para ver el trailer:

http://terratv.terra.com.ar/Entretenimiento/Cine-y-TV/Trailers/5047-134690/Nunca-estuviste-tan-adorable.htm

Crítica a un film argentino: Poema de salvación, de Brian Dublín

Para hablar de Poema de salvación (2009) hay que empezar por destacar dos cosas: la primera, no se realizó funciones de prensa ni publicidad para promocionarla, simplemente se estreno en salas de la cadena de cines Cinemark; la segunda, En dos semanas tuvo la nada despreciable cifra de seis mil espectadores.

Sobre el primer punto cabe destacar que es costumbre en Estados Unidos de no estrenar grandes producciones con funciones previas de modo que las reseñas, que se sabe que serán negativas, no impida buenos resultados de taquilla, ese fue el caso de Alien Vs Depredador (AVP: Alien Vs Predator, 2004) y la reciente G. I. Joe (G. I. Joe: The rise of Cobra, 2009). Pero cuando uno ve esta producción se nota que no hay interés de hacer eso ni de una campaña gráfica porque va por otro lado, otro público, y ahí lo relacionamos directamente con los sorpresivos resultados de taquilla.

Se trata de una película de temática evangelista realizada por evangelistas y para evangelistas (no sé si se entendió lo de evangelistas) y, por ende, funciona la publicidad a través del boca en boca de las iglesias.

Según lo averiguado por Internet, se trata del primer film de la productora Canzion Films, esta obra dirigida por Brian Dublín (me queda la duda si es o no un seudónimo) que parece ser una coproducción entre México y Argentina. Pero, mejor, les paso a contar de qué va el largometraje.

En la ciudad norteamericana de Chicago, un hombre escribe un guion sobre la historia de Pablo Olivares, convirtiéndose así en el narrador de la historia de cómo el protagonista, de existencia real, pasó de cantarle al Señor para cantarle a Satán y como sus padres, con fe y oraciones, lucharon en contra de este cambio.

Ya en sus primeros minutos vemos un gran presupuesto, la ceremonia religiosa en donde el niño Pablo canta esta registrado con Cámaras Stedycam y grúas en un estudio. Si analizamos la iluminación como el vestuario encontramos mucho blanco y haces de luces estratégicamente ubicados. El gran cuidado en las imágenes es un fuerte de la película, a simple vista, aunque se asemeja al cine publicitario.

El conflicto nace cuando Pablo, adolescente, se topa con un chico de su edad, vestido de negro, que le presta una guitarra blanca (¿El color de la guitarra habrá sido intencional?) y tras unos sonidos es convencido de convertirse en rockero satánico, inspirándose en la figura de Abel Black (no pude codificar en que músico real esta inspirado. Puede ser Alice Cooper, peso queda eliminado cuando Pablo va al mismo internado cristiano donde fue Black), y empieza a descarrilar su vida.

Sé que quien está leyendo esto y que no pertenece a esa creencia religiosa, y encima consumió mucho cine y/o cultura rock, se debe estar riendo de esto último, pero aparte de esto, que puede parecer concepto inocente, la película no es bizarra o patética de ver. Hay muchos detalles interesantes, como las actuaciones de Gonzalo Senestrari y Gian Franco o las canciones de rock compuestas por Olivares o la fotografía que utiliza contraluces cual realización de los años ochenta.

Poema de Salvación no es como Unidad 25 (2009) o Cartas de Malvinas (2009), una que es documental sobre una cárcel evangelista y otra que es bélica producida por una iglesia, sino que es algo más explicito y raro en ver, como un discurso de un pastor o cura durante una ceremonia.

Hay mucho para reflexionar sobre este largometraje, pero si se asocia el desenlace, la batalla entre el ángel y el diablo con la serie DragonBall o el final de Ciudad en tinieblas (Dark City, 1998) eso es parte de quien lo ve (sea yo u otro).

Hay problemas en el guion, llamémoslo diálogos, momentos que no aceleran a la historia y sucesos inocentes como que Pablo y el resto de la banda van a terminar en una fábrica abandonada para conseguir una guitarra con un extraño. Pero el que va a ver esa película no analiza cine sino que busca mensajes, mucho de ellos de los que ya saben de antemano, como abrirse a algo que ya es sabido.

A mí no me molesta que se estrenen este tipo de cine, bienvenido sea. Pero sí molesta que quienes la vayan a ver hablen a cada rato como si estuviese viendo un programa de televisión en su casa o que luego hablen de detalles de la película que son bastantes obvios y se sorprendan por cosas que ocurren con un “¡Oooooooh!”, como me pasó. Aclaro, por las dudas, que esto es por falta de entrenamiento cinematográfico y que no lo hacen todos los evangelistas.

En lugar de pasarle el trailer, el enlace con la página web:

http://www.poemadesalvacion.com.ar/