Crítica a film argentino: Rosa Patria, de Santiago Loza

Lo admito, las peliculas de Santiago Loza no son de mi entusiasmo. Las que ví, la muy premiada Extraño (2003) o la última, La invención de la carne (2009), me han dejado sentimientos que me provoca ver sus obras con cierta precaución. Ésta, Rosa patria (2009), que es un documental, me sorprendió mucho.

Sobre planos raros para este tipo de registro, buscando otros ángulos de cámara al entrevistado, Loza propone saber sobre la vida del poeta Néstor Perlongher, uno de los fundadores del Frente de Liberación Homosexual (FLH) que promovía los derechos de la comunidad gay y que era repudiado por sectores de Derecha como por algunos de izquierda.

Estamos hablando de una historia transcurrida en los años setenta, época de cierto conservadurismo como de miedo, donde Perlongher proponía que se hablen de los derechos de personas como él, personas que, sobre todo después del destape sexual de los setenta, fueron tratados como “enfermos mentales”.

Los testimonios de quienes lo conocían aportan no solo en el dato sino en darle una mirada más humana al personaje desde los primeros minutos donde destacan la fealdad física de Perlongher, tan llamativa que hace reir por su sorpresa. Todo esto causa un entretenimiento que aleja de la frialdad típica del genero.

Claro, que se habla más sobre la vida del activista que del escritor, pero sí se habla de esto último, como haciendo gestión para que su obra se difunde. Loza balancea bien ambas características y le agrega recreaciones teatrales, que simulan haber sido filmadas en Súper 8, que recrean su vida. Pueden ser algo largos, pero aportan simpatía que se incrementa con canciones acusticas, también cantadas sobre el mismo pequeño escenario teatral inventado para la ocasión.

Todo esto convierte a Rosa patria en una atractiva y muy recomendable sorpresa.

Crítica a film argentino: Carne sobre carne, de Diego Curubeto

Isabel Sarli, La “Coca”, es la figura cinematográfica argentina mas conocida en todo el mundo, quizás ahora compite con Ricardo Darín en eso. Sus films llegaron a ser difundidos y traducidos en países de muy difícil llegada en los sesenta y setenta, como Estados Unidos y Japón.

El motivo no obedece a cierta calidad artística sino al erotismo que ella, especialmente, y, en consecuencia, sus films emanaban durante tiempos que no se conseguían fácilmente algo referido al sexo.

Esta morocha poseedora de un cuerpo que Fellini pudo haber utilizado para cualquiera de sus obras maestras, no era buena actriz pero daba lo que su público deseaba, convirtiéndola en una figura altamente popular, no había persona no cinéfila que la ignorara.

Este documental, del crítico Diego Curubeto, hace hincapié en la historia de ella, su relación con Armando Bo (director de sus films que luego se convirtió en su esposo), la persecución de la censura y en anécdotas de aquellos tiempos y de cómo empezó a trabajar para la norteamericana Columbia Pictures.

Son muchas historias las que ocupa esta obra y que logra condensarlas muy bien en noventa minutos, sin aburrir. Prueba del deseo de entretener, por sobre todas las cosas, es que utiliza escenas recreadas, a modo de sketchs, con actuaciones de Gastón Pauls y del director español Alex de la Iglesia, dibujos animados a cargo de Pablo Rodríguez Jaurégui y otros recursos cinematograficos.

Quizas faltaría describir en algo las vivencias de sus espectadores para poder ver sus películas, desde escaparse del colegio secundario hasta un hombre casado que la va a ver sin el permiso de su mujer. De todas maneras, se ha logrado contar algo sin fisuras para rendir un merecido homenaje.

Critica a film argentino: La mosca en la ceniza, de Gabriela David

Se le dice “trata de blancas” al secuestro de mujeres, en su mayoría jóvenes, para obligarlas, esclavizarlas, a trabajar como prostitutas. Este tema está siendo muy mediático en los últimos años y, como todo tema difundido en, sobretodo, televisión, llega a la pantalla grande.

La mosca en la ceniza (2009) es la segunda de Gabriela David, tras Taxi, un encuentro (2000), y retrata a dos amigas muy unidas un pueblo del interior que consiguen un trabajo en la capital. Llegadas a esta cosmopolita ciudad, son llevadas a una casa y, allí, descubren el engaño: están obligadas a la mencionada labor.

David realiza una película oscura, como el tema lo amerita, ayudada por rubros técnicos que ponen en clima, como el de sonido que hace oír al espectador un ruido raro, como si uno estuviera en una cueva, para describir aún más, auditivamente, al salón de citas. Claro que también hay excelentes actuaciones del reparto, sobretodo de Luis Machín y Cecilia Rossetto, en un film que depende de los intérpretes.

Pero las intenciones quiebran por problemas de guión, se cuentan cosas muy largas al principio y, luego, otras que, por más que sean muy buenas ideas (como la presentación del personaje de Machín, un camarero sin dientes) no aportan a acelerar el relato. También no hay un buen trabajo de cámaras, pues no da un cierto movimiento que daría un marcado ritmo de suspenso y que mejoraría lo que se cuenta.

Igual, La mosca en la ceniza es una buena recomendación por sus puntos a favor como por su temática, mostrada en hechos y palabras. Por mi parte, pienso, si en las dos películas David muestra cierta solidez para describir personajes masculinos, ¿Hará alguna con protagonistas hombres?

Critica a film argentino: Excursiones, de Ezequiel Acuña

Dejando atrás el mundo de los adolescentes dubitativos y descontentos, Ezequiel Acuña empieza a filmar sobre treinteañeros. Es que el creció como sus personajes, así como su mirada de la vida.

Algo más optimista, con respecto a Nadar solo (2003) y Como un avión estrellado (2005), es Excursiones (2009), que trata sobre dos amigos de la secundaria que se reencuentran luego de diez años, uno, Martín, guionista y el otro, Marcos, empleado de una fábrica de golosinas. Se vuelven a ver a causa de un llamado de Marcos porque consigue una sala para montar una obra teatral y quiere que le de una mano en mejorar el texto.

Filmada en blanco y negro, al final se sabe por qué, la película de ochenta minutos es una comedia filmada mayormente en planos estáticos. Se ve que está pensada sobre experiencias personales, ya que busca cierta naturalidad en los diálogos como en situaciones.

El humor resulta ser poco y, más que nada sobre observaciones que el espectador tiene que descubrir en base a los personajes, quienes no poseen una psicología notoria. Simplemente, les está pasando algo, que tiene que ver con un objetivo, en las anteriores no había uno claro, y tienen que conseguirlo.

No es nada de otro mundo, hay quienes se pueden aburrir, otros que pensarán haber visto otras y mejores. De hecho, para mí es la obra que no me gustó, pero lo que sí es que para el director, Ezequiel Acuña, es un muy buen paso para cambiar su cine. Que el producto le salga, a mi criterio, regular es otra cosa.

A modo de observación personal, Acuña tiene muy buenas ideas de cine, prueba de ello son las jóvenes que intervienen en sus films, las muestra muy seductoras sin que el personaje tenga que ser así, lo que es un punto a favor en base a la búsqueda de un cine mejor que él está listo para pulir trabajo tras trabajo.

Critica a film argentino: Andrés no quiere dormir la siesta, de Daniel Bustamante

Andrés no puede dormir la siesta (2009) es de esas películas que buscan tratar un hecho dramático histórico, en este caso los años de la dictadura militar argentina, a través de la mirada, entre ingenua e ignorante, de un niño.

Andrés es ese joven de unos diez años en cuestión que, luego de la repentina muerte de su madre, se va a vivir, junto a su hermano, a lo de su abuela, interpretada por Norma Leandro. Allí, entre futbol en baldíos, juegos de bolitas, capítulos de la serie de Kung Fu y rebeldías para no dormir la siesta, va descubriendo nuevas cosas que con el tiempo entenderá.

Mientras suceden esos tiempos, Andrés chochará continuamente con su padre que tratará de alejarlo de la vida “pesada” que se vivía en el vecindario, donde funciona un centro clandestino de detención, y de querer proteger a su entorno familiar por el pasado militante de la madre.

El relato trata de construirse en base a cosas no explicitas en la cinta, una buena intención que cae por estar dirigido solo a los que conocen ese época histórica o si uno lee una sinopsis. También no abunda cierta tensión, por lo que cae en reiterados momentos simpáticos, como buscando una complicidad melancólica y hasta sentimental con el espectador y no pudiendo evitar ciertos problemas de guion, en las secuencias como en los personajes, que podrían convertirla en un producto recomendable o ser tenida en cuenta para mandarla al Oscar.

Critica a film argentino: La Tigra, Chaco, de Federico Godfrid y Juan Sasaían

A veces pienso que algunas de esas películas que pertenecen al llamado cine independiente argentino, esas que son realizadas por directores noveles que consiguen una cámara y ciertas facilidades para (por fin) filmar una historia, son hechas muy a las apuradas. Lamentablemente, La Tigra Chaco (2009) es un ejemplo de esto, por cambiar entusiasmo por dedicación por escribir un buen guion o en plantearse qué es lo que se va a improvisar y cómo.

Esta clase de films o producciones son exponente negativo, una contra que puede ser evitada oportunamente, de lo que Pino Solanas, director histórico y respetado, llama “la democratización del cine” por la facilidad que entrega los recursos tecnológicos hoy en día, en el sentido que uno puede filmar con una cámara digital y editarlo en su casa en lugar de esperar a conseguir mínimamente, y con mucha suerte, una cámara de cine de 16 milímetros, tener algún conocido que preste su moviola para editar o su cuerpo para actuar, conseguir de algún lado fondos para pasar el material a 35 mm y, con suerte y algo de energía, estrenar en alguna sala.

Digo esto porque La Tigra… quiere contar una historia de un joven (la edad del protagonista parece ser una condición para este movimiento) que regresa al pueblo donde vive su padre tras muchos años. Al no encontrarlo (¿Qué raro que en tiempos de comunicación de celulares e internet no lo haya llamado antes? Tampoco se explica el por qué aparece, aunque se sugiere que no es por algo importante), opta por parar en lo de una tía (se va nota que la característica de esta amable anciana, la de inmigrante checoslovaco, es un aprovechamiento de algo que ya es de la actriz amateur y no un querer de la dupla guionista de entablar rasgos a los personajes o de aprovechar de estos, cosas recomendadas en libros de guión).

Los minutos avanzan, se ve que visita a una chica de su edad, amiga de años, y que luego ella cobra su protagonismo, pero no se dedica a contar algo más, como destacar mediante alguna vía, las diferencias del pueblo de ahora con respecto a antes, que no se por qué no lo veo en películas de temática “alguien vuelve al año luego de años” y que puede ser detonadores a conflictos que mejorarían la historia principal.

¿Pero por qué esta ahí el protagonista? ¿Qué le pasa estando en ese pueblo? Simplemente, entra en conflicto, mal armado dicho sea de paso como obvio, con el novio de la joven en cuestión y otras cosas, como que manda a arreglar una silla, que no contribuye en mejorar pero si en rellenar espacio para que pueda convertirse en un largometraje.

El film se convierte en, metafóricamente hablando, en sentarse a la vereda de un pueblo y ver autos, los pocos autos, pasar a la espera de una accidente, algo prácticamente difícil que ocurra porque el trafico es casi nulo.

Critica a un film argentino: Adopción, de David Lipszyc

Mientras veía Adopción (2009), me planteaba algunas dudas correspondientes al concepto de la obra y en pos de un responsable análisis. Es que por su primeros fotogramas, donde se anuncia que está basada en hechos reales, y por ver lo que sigue empiezo a plantearme que se trata de un documental falso, o historia ficticia narrada como documental, por lo que opto, al escribir sobre ésta, de intentar hacerlo sobre ambas posibilidades.

El director, David Lipszyc, usa muy buenos recursos e ideas para contarnos su historia y su visión de la vida de un hombre soltero y de su hijo adoptado, usando las palabras de los protagonistas, recreaciones y secuencias de montaje que incluyen la aparición de los muñecos playmobils, tan populares en los años ochenta.

La duda me aparece por el fondo de las entrevistas, que parecen actuadas, como sujetas a un cierto guion que no permite mucho improvisar y las miradas y tonos de voz de los entrevistados. Este interrogante crece cuando me entero que la entrega del chico a la nueva familia fue realizada en tiempos de la dictadura militar, tiempos demasiados conservadores para permitir una adopción de este tipo (que dudo si es factible hoy en día). Quito, para decir esto, la otra tematica que posee, que el adulto es gay.

Si uno empieza a armar lo que cuenta el documental en su cabeza, notará ciertos agujeros que no compensan con ningún testimonio en búsqueda de un fortalecimiento, motivado aun más porque son muy pocas las personas que entregan su testimonio y/o opinión.

Si esto es todo real, pido disculpas a los equipo realizador y celebro el haber encontrado una idea original para contar que tiene que ver con los años de plomo y la no discriminación y que me gustaría que tenga más repercusión en los medios. Pero, de todas maneras, recomiendo ver estos casi ochenta minutos, si es aficionado al cine o si se estudia, porque creo que es una película perfectamente debatible, opinable y observable (dicho en el sentido de notar cosas), pues parte de un muy buen punto de partida cualquiera fuera su realidad, como eslabón de historia perdido o como noble excusa para llevar a la pantalla grande, no importa los defectos hechos en ambos casos.

Léase esto si se quiere, pero bajo su responsabilidad: Escribí la critica enterandome luego de si es un documental verdadero o no, pero preferí escribir así mi reseña porque me parece una muy buena invitación para hacer cierto ejercicio filosófico sobre esta película, uno que no es frecuente de ver en este hermoso arte.

Critica a un film argentino: La madre, de Gustavo Fontán

La madre (2009) es un film que desde sus primeros minutos nos invita a reflexionar en base a sus imágenes y a través de la historia de la relación entre una madre y su hijo.

Ya en la primera escena, nos adelanta como termina para querer contarnos, a través de un relato sórdido en muchos niveles, el por qué del desenlace. Todo esto usando planos fijos, aunque pecando de ser muy largos, y con una muy buena fotografía que pretende convertir a cada encuadre en una obra pictórica.

El problema es que, pese al acierto del guion por no contar demasiado y querer concentrarse a la relación familiar, se deja de contar cosas interesantes como buscando cierta diferenciación de otros films, de querer etiquetarse demasiado dentro de lo que se llama “cine arte”, y que termina cayendo en cierta pretenciosidad como en reiteraciones y planos surrealistas que no contribuyen al fondo de la historia.

La promesa de destacada actuación, durante los primeros minutos, de quien interpreta a la madre en cuestión, Gloria Stingo, es cambiada por un relato que interesa mostrar la puesta de cámara de un director que, por lo que parece, prefiere destacarse él mismo, algo que no está mal pero termina siendo, a mi criterio, un defecto de cierto cine “artístico”, sea para festivales o para la taquilla.

Crítica: Un sueño posible, de John Lee Hancock

Me es complicado hacer una crítica sobre Un sueño posible (The blind side, 2009) sin asnalizar su fenómeno taquillero, el que produjo una recaudación de doscientos millones de dólares en Estados Unidos, algo pensado para un drama sin efectos especiales. Esa increíble marca, además, la convirtió en la más exitosa para un film protagonizado únicamente por una mujer.

Esa mujer, Sandra Bullock, que terminó alzándose con el Oscar, algo impensado por quienes seguimos su carrera, toma cosas de la actuación, también ganadora de la estatuilla dorada, de Julia Roberts en Erin Brockovich (Erin Brockovich, 2000) para componer a una mujer de clase alta que “adopta” a un adolescente de físicamente grandulón y sin hogar. Esta protección le ayuda a este estudiante a no solo a mejorar sus estudios sino que a mejorar su calidad de vida para que pueda triunfar.

Un sueño posible es una película común y corriente, aunque, por su cualidades, se aproxima a un telefilm. Es un relato basado en hechos reales y de tono inspirador, de personas que cumplen sus metas frente a la adversidad, y que no apela a golpes bajos pero sí a lástimas.

Por momentos se hace larga integración a la familia, por su reiteración y falta de ritmo, pero mejora cuando empieza, nuestro “héroe”, a demostrar las habilidades en el futbol americano como en sus estudios.

Ahora, me preguntaba al ver el largometraje: ¿Por qué de tanto suceso? La respuesta me la daba cada escena: es una película integradora, blancos con negros, ricos con pobres, republicanos con demócratas. ¿Espiritu “Obama” a la vista? Puede ser, lo cierto es que todos asisten al cine en una ver algo apto para todo público que con el paso del tiempo casi nadie se acordará de su éxito como de su nominación a la mejor película.

Una cosa que si me sorprendió es la elección de los actores de reparto por muchos motivos, como elección por belleza física, pero destaco más al pequeño actor que oficia de hermanastro del “gigante”, Jar Head. Su labor se asemeja a la Dakota Fanning o Mara Wilson, más allá de alguna indicación del guión.

Critica a un film argentino: Matar a Videla, de Nicolás Capelli

Matar a Videla (2009) es una opera prima que cuenta la historia a través de la visión de su protagonista, usando sus palabras con cierto tono moralista más que de observación.
Julián, interpretado por Diego Mesaglio, es el joven de veinticinco años que deja su trabajo en una oficina como la relación con su novia y se plantea un fuerte cambio de vida: suicidarse, pero asesinando al ex dictador Videla antes.
Pero esta propuesta cinematográfica queda en pretensiones y en un muestrario de, lamentablemente, defectos. Y eso se ve en el guión, que incluye flojos diálogos y una llegada tardía del conflicto, en malas tomas, con fuera de focos o problemas de fotografía, y pobre dirección de actores, que parecen calcados de una pésima telenovela.
El punto de vista empleado, mediante la narración en off del protagonista, recuerda al de su par de Trainspotting (Trainspotting, 1996), pero cayendo en la denuncia social y con un tono aburrido por su monotonía.
Pasan los minutos y, si uno observa bien ciertos detalles, se notará fallas algo absurdas, como cuando roba un candado de puerta de rejas que perfectamente se puede saltar, de casi medio metro de alto, en una secuencia que no genera suspenso. Encima, al principal actor, que le falta muchas clases de actuación, que por sus enseñanzas de torso desnudo nos revela un buen físico como para necesitar de ese aparato de hierro.
El director necesitará una fuerte autocrítica, si es que querrá seguir contando historias y que la gente la vaya a ver.

Crítica a film argentino: Los resistentes, de Alejandro Fernandez Mouján

Los resistentes (2009) trata de un grupo de hombres olvidados por la historia. Estos hombres unieron para armar un grupo de inteligencia paramilitar en contra del golpe de estado de 1955 a la presidencia de Perón y a favor del regreso de éste. Alejandro Fernandez Mouján, el mismo de Pulqui, un instante en la patria de la felicidad (2007), es el encargado de este recuerdo, usando testimonios de quienes integraron esta fuerza con imágenes de archivo.
El se propone a recopilar historias recorriendo el país, obteniendo relatos, en base a por qué y cómo se integraron y a sus experiencias en dicha resistencia, en busca de clarificar el panorama histórico de quienes serian los antecesores de los Montoneros, usando solamente su punto de vista .
El problema del relato es la falta de comprensión de lo que se quiere contar. Sus más de dos horas y media delata la existencia de testimonios que sobran en lo que se quiere contar por no ser muy importantes como interesantes. Encima, se usa mucho eso de mostrar al que habla, no permitiendo otra forma de montaje como dirección de cámaras.
Vale solo por el tema, pero no por sus valores cinematográficos.

Enlace con el trailer:

http://www.losresistentes.com.ar/

Critica a film argentino: El último aplauso, de Germán Kral

Sigue la idea, post devaluación económica del 2002, de hacer películas con la temática del tango. El último aplauso (2009) es atípica y a medida que avanza el metraje se comprueba la diferencia.

Empieza por mostrar al Bar “El Chino”, aquel mítico lugar de tango del barrio porteño de Pompeya, durante una noche donde interpretes del “dos por cuatro”, como se le dice a ese ritmo musical, hacen su melodía para el disfrute de los comensales del lugar. Ocurre durante el año 2001 mientras “El Chino”, su dueño, está internado viviendo sus últimos días de vida.

Entre acto músical para presentar a los personajes, el documental muestra su primera idea, premeditada, de mostrar las habitaciones de los artistas, una muy buena forma de conocerlos íntimamente.

Durante ese rato se ve problemas de sonido, que obedecen a bajo presupuesto, y de mala imagen, producto de la cámara con la que se filmó, pero en un momento determinado, esta obra de Germán Kral, cambia. Del 2001 nos lleva al 2006, muchas cosas han pasado, como que la fonda no esté abierta al público, como otra vida por parte de estos protagonistas y empieza otra trama.

Podría decirse que esta es artificial, preparada para la película, donde los cantores se reúnen, ahora, con una orquesta de tango interpretada por jóvenes músicos, la Imperial, pero, sin embargo, Kral no se preocupa por mostrar las diferencias entre estas dos generaciones, dejándolo con énfasis para una escena, sino que los hace conocer para tocar y ensayar a fin de un recital más importante.

También en esta segunda parte se nota el mejor sonido y tipo de filmación provistos de un mayor dinero invertido.

Pero nada de eso importa, lo que importa es cómo de un material pensado con tal fin, se modifica, paso del tiempo mediante a otra idea, una que invita a conocer a ignotos músicos con otras versiones de famosas tonadas.

Una realización que no tiene desperdicio y que es recomendada sobre todo para tangueros y estudiantes de cine.

Critica a film argentino: Nosotras que todavía estamos vivas, de Daniele Cini

Documentando un juicio que ocurrió en Roma entre Octubre 2006 y Marzo 2007, el italiano Daniele Cini repasa los desgraciados sucesos a causa de la dictadura militar impuesta en Argentina durante 1976 y 1983 que determinaron en delitos de lesa humanidad.

Este proceso legal no solo nos muestra la naturaleza del mismo, de juzgar a quienes asesinaron a ciudadanos italianos en el sudamericano país, sino de repasar esos años infames, de hablar de la creación de Abuelas de Plaza de Mayo, de Madres de Plaza de Mayo y de otras organizaciones que buscan hacer justicia como memoria.

Pero no se permite este largometraje a ser uno más del montón. Quizás porque el director sea extranjero, nos da otra visión, otra forma de narrar y tratar el tema. Que se use muy buenas escenas dramatizadas, muy buena dirección de cámara como de fotografía, o imágenes de archivo no muy vistas (como esa de larga duración en donde obispo bendice a los nuevos egresados de la Escuela de la Marina Naval y que a mí me produjo miedo)

Nosotras que todavía estamos vivas (2009) es un nuevo exponente de esa temática, la referida a los sucesos de la dictadura, que mejora, o revoluciona si se quiere, al subgénero de documental.

Parafraseando a muchos críticos, “una bocanada de aire fresco”. Lastima que se tuvo que pasar por un hecho doloroso para ver algo así.

Enlace para ver el trailer:

http://danielecini.blogspot.com/2009/09/prueba-de-trailer.html

Critica a film argentino: Acné, de Alejo Veiroj

Aunque parezcan reiterativas, las películas sobre iniciación sexual son algo interesante para ver, potenciales generadores de diversas miradas sobre el tema que la pueden convertir alguna de estas obras en un nuevo clásico.

Acné (2007) pertenece a este género al retratar a un chico judío (otro elemento temático) de familia de muy buena posición económica que inicia sus años de adolescencia: con continuos tratamientos por el problema dermatológico que da pie al título, con la separación de sus padres de por medio, ganas de besar a una chica por primera vez y que esta sea la compañera del colegio que tanto le gusta.

Rafa, el protagonista en cuestión, es quien le pasa por esas inseguridades típicas de su edad, una de descubrimiento, que filmado sobre una mayoría de planos fijos y de muy pocos silencios, como atándose a mostrar escenas que empiezan y terminan con diálogos.

Esto le implica al film, filmado en Uruguay, de cierta monotonía, falta de ritmo, que pueden convertirlo en una mala película para muchos. Pero si analizamos a través de su guion se observa que, pese no querer contar con algo con humor, se preocupó por lograr un buen armado de este que, aunque se habla demasiado de las masturbaciones del joven, ata bien los cabos y cuenta con personajes y escenas útiles.

Quizás el director y guionista, Alejo Veiroj, tuvo inseguridades para con su opera prima o, bien, la inteligencia de no querer convertirla en pretenciosa, de mostrar demasiado, como muchos primeros trabajos. De todas maneras, Acné es una película a tener en cuenta al igual que los próximos trabajos de su realizador.

Critica a film argentino: Puentes, de Julián Guilinanelli

Puentes (2009), la opera prima de Julian Guilianelli, habla de ser amigos a los doce años recurriendo al género dramático.

Se trata de unos chicos que viven en una ciudad distante a la ciudad capital, amigos muy inseparables que se sientan juntos en el aula de la escuela o juegan al futbol en un baldío.

Uno de los problemas del guión es que el conflicto aparece muy tardíamente y sin contarnos algo que nos haga amena la espera: uno de ellos le roba el arma al padre de otro lo que desatara un suceso desafortunado y que cambiará sus vidas para siempre. Pero es que el guión delata sus falencias, sus pobres diálogos, el armado de sus escenas y su falta de ritmo (ahí la culpa es de montaje como de la dirección).

Puentes podría compararse con la norteamericana Mi primer beso (My girl, 1991) por querer contar un hecho trágico que hace crecer de golpe a esos jóvenes de pocos años.

Uno lamentablemente se aburre y empieza a encontrar otros problemas, como la ingenuidad en el vestuario, quien jugo al futbol alguna vez sabe que es incomodo jugar con campera desprendida haga o no frío.

Es corta la película, unos setenta y siete minutos, quizás merecía ser un corto por lo que se quiere contar y realmente resulta ser una pena sin nada interesantemente a favor para señalar, aunque intente encontrarlo.

Critica: Preciosa, de Lee Daniels

Me acordaba, mientras veía Preciosa (Preciosa, 2009), de un chiste de la opera prima de Alex de la Iglesia, Acción Mutante (1993). Allí, un conductor de un noticiero futurista presenta a los integrantes del grupo terrorista que da nombre al film y remata con uno que es poseedor de muchos defectos, como ser enano, jorobado y presuntamente homosexual. Algo de esto me hizo acordar este film ni bien empezaban a proyectar los fotogramas.

El film es el máximo exponente de los últimos años del cine de la comunidad negra en Estados Unidos y llega a la carrera por la mejor película en el Oscar con muy buenas críticas y premios.

Es la historia, ambientada en 1987, de Preciosa, una joven de dieciséis años muy obesa que es maltratada por su madre y que espera su segundo hijo, cuyo padre es SU padre. Viviendo en un barrio marginal, Preciosa empieza, por esta gestación, una nueva vida escolar, yéndose a una escuela alternativa, en busca de un nuevo futuro.

Si con leer estas líneas suponen desgracias tras desgracias, lamento decir que tienen razón. Es como que quiere quedar bien con todos los temas tratando de conseguir un enorme dramatismo. Si no me creen, sepan que la primera hija tiene síndrome Down y que, obviamente, alguien tendrá sida, y muchas cosas de ese estilo.

Pero ya en los primeros minutos, también se aprecia por qué Preciosa se diferencia de otras películas de golpes bajos que van directo al video o a la televisión, recomiendo Manos Sanadoras (Gifted hands, 2009), usando como disfraz buenos diálogos, actuaciones increíbles y una edición, fotografía y dirección parecidas a una obra de Spike Lee.

Parece ser película destinada a ser icono de la comunidad negra: por estar basada en un libro exitoso; por estar producida por Oprah Winfrey, la elogiada actriz de El Color Púrpura (The color purple, 1985) que se convirtió en la reina de la televisión estadounidense, y Tyler Perry, director negro que no cautiva a críticos pero si a espectadores de esa raza; por contar en el elenco con la cantante Mariah Carey, que se recupera dignamente de su anterior y único protagónico en El brillo de una estrella (Glitter, 2001) y el rockero Lenny Kravitz.

Hay muchas cosas para contar, se me ocurren miles, pero lo resumo en la conclusión de que es una película maliciosa, ya que hay una escena donde la protagonista cae de una escalera con su bebe y éste pequeño se cae de cabeza. Algo que es peor que ver que cualquier escena explicita proveniente del género terror. La elección de ese plano, de ese momento, no es elegido por obligación del guion, ya que el infante de semanas de vida, se aclara, no sufre heridas alguna. ¿Otra apelación al golpe bajo o error en elegir la toma correcta?

Y ni hablar del final cuando se conoce el origen de la perversidad del padre. La frutilla al postre de crear algo con demasiados, o todos, golpes bajos como fundamento. Algo que espera la “moralista” compasión del quien la ve como la oportunidad del humorista en vengarse por estas casi dos horas de buscar lagrimas fáciles a través de lo que sería una parodia servida.

Critica: Un hombre serio, de Joel y Ethan Coen

Algún razonamiento habrán tenido los hermanos Coen para realizar Un hombre serio (A serious man, 2009): historia de temática y personajes muy judíos y con actores desconocidos, salvo un par que son pueden ser reconocibles si alguien mira ciertos programas de televisión.

Quizás tenga que ver esto con que creyeron llegar a un pico máximo al ganar el Oscar con Sin lugar para los débiles (No country for old men, 2007) y que ya cualquier actor buscador de prestigio le dará el sí por interpretar a cualquier personaje a cambio de una importante rebaja en su salario. Quizás, también, quieren quitarse presiones o miradas y volver a un cierto cine que hacían antes, cuando eran exhibidos en pocas salas de Estados Unidos con cierto perfil europeo o muy independiente.

Las preguntas surgen al ver esta comedia negra, mezcla de humor propio de los Coen con el de Wes Anderson, donde un profesor de física de universidad empieza a tener una serie de inconvenientes a partir que su mujer le pide el divorcio para formalizar con su amante, amigo de él de años, y, lo que es peor, quiere que se junte con éste para organizar el Bar Mitzvá de su hijo que se avecina en semanas.

Si bien esta dupla creativa nos muestra dosis de comedia negra en todos sus films, hasta en los de suspenso, acá nos cambia el calibre de humor y que, si uno no pertenece a la religión de moisés, tendrá que traducir obligatoriamente ciertos detalles de su creencia para entrar al juego que nos propone la trama.

Hay reminiscencias a otras películas de los guionistas y cineastas, como a una posible infancia o modo de vida de ellos por ser ambientada a fines de los sesenta. Estos mantienen el estilo personal, por ejemplo, en detalles como la caracterización caricaturesca de los personajes a través de sus rasgos físicos y los coloca en acciones que de a poco hacen cerrar los cabos sueltos del guion y nos ahonda, si uno se mete en lo que se cuenta, en el caos que sufre el educador en su vida, pese a los consejos de los rabinos (esto de los rabinos puede ser traducido, como les decía, a cura, pastor, o lo que fuera).

En resumen, es una comedia muy negra, diferente a otras sobre perdedores, que merece ser vista con tranquilidad y sin fanatismo hacia los Coen.

Critica: Vivir al límite, de Kathryn Bigelow

A las mujeres cineastas prontamente se las relaciona con géneros como el drama o la comedia, siendo "muy" minoría en muchísimas industrias alrededor del mundo. Hay una que hace años viene filmando tratando de hacer otro cine, escapándose de ciertos convencionalismos del género femenino. Esa directora es Kathryn Bigelow, la única, hasta ahora, que puede dirigir una película de acción.

Bigelow, conocida por algunos como la ex esposa de James Cameron (hoy en día se llevan muy bien), es una respectada profesional que a los cinéfilos nos dio muy buenos films como Punto límite (Point break, 1991), la de los surfistas que roban con máscaras de presidentes norteamericanos, y Días extraños (Strange Days,1995), futurista sobre el año 2000.

Es ahora donde esta directora, cuya particularidad es mostrar momentos intimistas que une a personajes por más oposición haya entre estos, tiene su momento de merecido reconocimiento por Vivir al límite (The hurt locker, 2008), una película independiente que se estrenó en el Festival de Venecia del 2008 para conseguir algunas salas en Estados Unidos durante el año pasado y ser la gran ganadora de premios y gran candidata a llevarse el Oscar.

Ubicada en el actual Irak, muestra a un grupo de soldados norteamericanos dedicados a encontrar y desarmar bombas en la hostil Bagdad dejadas por los rebeldes iraquíes. Por la muerte de uno de ellos, llega el Sargento James, experto en su trabajo. Con el correr de las misiones, este personaje va mostrando formas atípicas en su labor, como sacarse el traje de protección, lo que genera conflictos con sus pares.

Esta característica de James (interpretado por Jeremy Renner, nominado al Oscar), la adicción que tiene al riesgo, es algo raro de ver en historias. Algo que sienta precedente en el asesino interpretado por Kevin Costner en de Mr. Brooks (Mr. Brooks, 2007), que tiene que matar porque es su droga.

Sobre muchos planos con cámara en mano y descuidados zooms predeterminados que ofrece la cinta. Un fuera de foco no le juega en contra, marcando nerviosismo. Vivir al límite ofrece momentos de puro tensión, algunos se asemejan a un western; otros hacen pensar que estamos frente a un nuevo estilo de cine bélico, el psicológico, donde la acción o la batalla no pasa por continuos tiros sino que por la espera y/o las decisiones.

Hay un momento que sin recurrir a efectos especiales por computadora (la película los tiene y con utilidad) el espectador se impacta al notar los ojos rojos de uno de sus protagonistas apuntando al enemigo o bien al ver que una mosca se posa sobre un parpado (¿¡Cómo lo habrán hecho!?), algo que tiene que ver con un cierto naturalismo de las imágenes que viene mostrando, como el pequeño tornado sobre el desierto o el gato rengo caminando por las calles.

En su mayoría, elenco es desconocido. Se ven algunas caras conocidas haciendo breves papeles (Ralph Fiennes, David Morse y Guy Pearce), cuya importancia es para conseguir lugares de exhibición en el mundo dado su naturaleza de independiente de la obra, y eso quizás le juega favor a su realizadora para potenciar lo que pretende mostrar, ya que no los asociamos a otros trabajos.

Una complicada película sobre un guion bien planteado y sin excesos que pretende revelar los significados de la guerra sin patriotismos ni mensajes morales ni golpes bajos. Una historia que será tenida más en cuenta en el futuro.

Comentario al margen: esta película iba a ser vista para ser comentada en la sección “Que se estrene, aunque sea en DVD” el año pasado, ni bien se estrenó en Estados Unidos por los muy buenos comentarios que había leído. Es bueno saber de la difusión que tuvo, aunque confieso que me da fastidio no haberlo hecho antes así tenía una especie de primicia. También la directora iba a aparecer en los informes de “Grandes directores ignorados”, ahora veré si es tenida en cuenta con ésta.

Critica: Enseñanza de vida, de Lone Schergif

Enseñanza de vida (An education, 2009) es la nueva película de la directora danesa de Italiano para principiantes (Italiensk for begyndere, 2000), Lone Schergif, pero también es el debut como guionista del autor de libros luego fueron llevados a la pantalla grande, Nick Hornby, como Alta fidelidad (High fidelity, 2000) y Un gran chico (About a boy, 2002).

Es la historia de la londinense Jenny, interpretada por la nominada al Oscar Carey Mulligan, quien vive en una casa de clase trabajadora con sus padres, durante los primeros años de los sesenta. Ella está en el último año de la secundaria con la expectativa de entrar a la Universidad de Harvard para estudiar letras, algo que sus padres la fueron preparando desde niña.

En una tarde de lluvia conoce a David, un adinerado joven, algo mayor que ella, por el cual ella se enamoraran y la hará ver la vida de otra manera, más aún porque sus padres lo aceptan, que la diferenciará de la vida que solía tener, despreocupándose del objetivo de Oxford.

La película cuenta una historia de mujer, lejos de ser parecida a otra, y evitando una pretenciosidad de diálogos, encuadres y mensajes morales, algo que es bien característico del cine inglés. También tiene momentos que pueden semejarse a una comedia de ese país.

El largometraje es correcto, moderado, aparte de bien realizado, por eso resulta ser agradable para ver y recomendar. No es algo de otro mundo ni tampoco pretende serlo y eso es lo bueno.

Para finalizar tendríamos que señalar el parecido de la protagonista, sobre todo por su delgadez, el vestuario el peinado, a la recordada y legendaria Audrey Hepburn. ¿Será algo buscado por quienes hicieron la película o consonancia mía?

Critica: Sector 9, de Neill Blomkamp

Inspirada en su corto intitulado Alive in Joberg (2005), Sector 9 (District 9, 2009) la opera prima del sudafricano Neill Blomkamp, es una vuelta de tuerca en materia de extraterrestres cinematográficos.

Tomando cosas de lo que fue conocido por la historia mundial como el Apartheid, donde se separaba al negro de la vida “normal” y “digna” del blanco metiéndolo a un barrio rodeado de rejas, la película hace su hincapié primero en forma de falso documental para situar al espectador en esta realidad inventada, para luego convertirse en la historia del protagonista, un empleado de gobierno, que luego de esa casi media hora introductoria es contaminado por lo que su cuerpo empieza a cambiar.

La comparación política dada como el falso documental (que a veces el director mete planos equívocos que rompen esa estructura) y la metamorfosis que se va viendo son algunas de las muy buenas y bien realizadas ideas que tiene el largometraje. A eso sumarle efectos especiales, generados en su mayoría por computadora, que juegan un rol decisivo al crear a estos seres de otro planeta, conocidos despectivamente como langostinos por su forma física, discriminados en un sector de casas precarias ubicadas sobre tierra mugrienta desde que quedaron varados en el cielo de la capital sudafricana hace veintiocho años.

Se destaca la actuación de Sharito Copley, un ahora desconocido, que interpreta un personaje que va cambiando absolutamente su forma de ser por la desgracia que sufre. De alguien que luce como un idiota (no en el sentido cómico de la familia sino como apariencia) y que a la fuerza va mostrando su valentía.

Algo diferente para los que este tipo de historias… y para los que suelen ignorarlas.

Nota: En el número 34 de Cinetico, había puesto el corto Alive in Joberg. Ahora hay una versión subtitulada para que la vean sin problemas.